Década de 50

CONHEÇA O AUTOR DO PROJETO

2009-12-11T04:20:00.000-08:00

José Henrique Fialho é mineiro, natural da cidade de Raul Soares, formado em Administração de Empresas pela Universidade Federal de Minas Gerais, pesquisador da música popular brasileira, da cultura de massas e da indústria cultural.

e-mail: zefialho.decadade50@yahoo.com.br
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GIL said...Amigos seu blog esta perfeito me ajudou muito estou desenvolvendo uma pesquisa sobre limguagem cinematografica brasileira.23/11/07 ;

Hawker said...Adorei o projeto, vivi intensamente a década de 50, só estranhei não haver qualquer menção ao início da construção de Brasília, por volta de 1958.Romildo Guerrante - Rio de Janeiro6/1/08

wil.lennon said...Parabéns pelo projeto. As informações que este site proporciona a quem quer que seja, são um retrato da vida brasileira nas épocas enfocadas. A riqueza de detalhes é impressionante! A listagem das músicas das paradas de sucesso entre 1949 e 1960 é uma jóia rara. Não se vê esse tipo de cultura divulgada normalmente. Só faltaram os links para se fazer o "download" das músicas.Posso resumir tudo o que li e ainda vou ler neste belo site, como "espetacular"! Parabéns!25/1/08 ;

Tαмαяα said...Parabéns pelo blog! É muito bom.Não vivi nada da década de 50, mas o que eu ouvi, foi muitas histórias maravilhosas, e esse bolg só faz reforçar toda as imagens que eu tinha da década de 50. Muito bem explicado e comentado. Esse blog já me ajudou bastante nos trabalhos do colégio, e também me ajudou a ter mas conhecimento, o que nunca é demais! Simplesmente PERFECT!27/2/08;

VANUZA PANTALEÃO/OBRA LITERÁRIA said...Década de 50, aquela que "não terminou", parafraseando o livro "1968 O ANO QUE NÃO TERMINOU" de Zuenir Ventura.Zé Fialho, né? Já sou sua fã também.Seu blog é uma das maiores contribuições para a Cultura de Massas do nosso país.Ainda não o li todo, pois estou envolvida no meu blog de Literatura, mas Deus vai me conceder fôlego para tanto.Grande ABRAÇO! Vanuza Pantaleão10/4/08;

Círculo de Cultura said...Acabo de ler sua apresentação e confesso que me criou bastante expectativa para o que está por vir. Vou "devorar" seus próximos textos com o mesmo entusiasmo, espero em breve poder mandar-lhe um e-mail para trocar algumas informações.Um blog como esse precisa ser divulgado.19/4/08 ;

Paulo Sempre said...Abraço.Paulo Sempre.posted by Década de 50 at 4:58 AM;

O FIM DE UM SONHO

2009-04-06T09:05:00.000-07:00

Não obstante o entusiasmo com que se recebeu a notícia da fundação da Cia. Cinematográfica Vera Cruz, que abria (ou parecia abrir) um novo horizonte à cinedramaturgia brasileira, os fortes boatos de que a Cinédia, um dos mais antigos estúdios brasileiros, fundado pelo legendário Adhemar Gonzaga ainda na década de 30, estava na iminência de fechar suas portas nesse ano de 1949 surpreendem e entristecem os cinéfilos brasileiros.

Transformando a produção cinematográfica brasileira, quando se sua criação, a Cinédia opta então por seguir um tipo de gerenciamento ainda inédito no Brasil, criando uma empresa em moldes capitalistas, a exemplo de suas congêneres americanas; seus funcionários e técnicos são mantidos em constante atividade, todos efetivamente contratados pela empresa e trabalhando em estúdios bem montados e com equipamentos modernos. Com tudo isso, Gonzaga pôde se cercar com o que de melhor existia na cinematografia brasileira, ambicionando exibir (obviamente sem conseguir) ao menos um filme por mês. O paralelo com a futura Vera Cruz é evidente.

Para inaugurar sua companhia cinematográfica, Gonzaga trouxera de Minas Gerais – mais precisamente de Cataguases – o jovem cineasta Humberto Mauro, que montara em sua cidade um pólo de cinema admirado em todo o Brasil, e que teria a responsabilidade de dirigir o primeiro filme da Cinédia: Lábios Sem Beijos (1930), projeto de Gonzaga, impedido de realizá-lo devido a problemas burocráticos e outros advindos da montagem de seus novos estúdios.

Quando foi contratado pela Cinédia, em 1930, Humberto Mauro já era considerado gênio por muita gente boa. Sua fama já ultrapassara os limites das Minas Gerais e se espraiara por várias partes do Brasil. Seu cinema, com influências de Griffith e Strohein, posto que pobre e com limitações de toda sorte, é belo e avançado, muitos o considerando um profissional tão talentoso quanto seus influenciadores, mestres do talento e da criatividade. Porém, seu relacionamento com Adhemar Gonzaga vinha de muito antes, desde 1926, data em que ambos compartilham das mesmas concepções a respeito do cinema como uma indústria e, ao mesmo tempo, a de possuírem a convicção de serem de certa forma pioneiros dessa incipiente indústria cinematográfica brasileira.

Nascido a 30 de abril de 1897, filho de italiano pobre, mas com ambições de subir na vida, e de uma mineira de tradicional família, em uma fazenda (distrito de Volta Grande) perto de Cataguases, na Zona da Mata mineira, Humberto Mauro, ainda garoto, ganhava seu poucos tostões carregando malas e vendendo quitutes para ajudar a família que atravessava dificuldades financeiras, situação que começa a se modificar, ao se mudarem, em 1910, definitivamente, para Cataguases.

Cedo ainda, graças aos conhecimentos autodidatas do pai, um “engenheiro de algibeira”, e da mãe, de família culta e letrada, interessa-se por arte em geral e pelo cinema em particular; logo que chega a Cataguases, começa a assistir, de graça, a praticamente todos os filmes que passavam no Cine Recreio, graças à bondade do gerente que permitia a entrada daquele garoto curioso, como também a um senhor de nome Liberato, analfabeto, que, às vezes, pagava sua entrada para que ele lesse para ele as legendas dos filmes.

Assim que termina o curso ginasial, Humberto vai para a capital, Belo Horizonte, para cursar Engenharia Civil. Nem bem termina o primeiro ano e larga a escola, voltando para sua cidade, onde logo começa a fazer um curso de eletricidade por correspondência, com resultados já esperados. Só que sua “curiosidade volúvel” logo o encaminha para o Rio de Janeiro, onde permanece por dois anos, trabalhando na Light e no Lóide, enrolando motores e transformadores.

Também por pouco tempo. Em 1918, volta novamente para Cataguases, onde, exercendo os conhecimentos anteriormente adquiridos, monta uma oficina eletromecânica, iniciando nessa época um trabalho que maravilhava todo o mundo: a instalação de eletricidade em fazendas prósperas da região.

Em 1920, após levar uma boa vida de playboy, Humberto Mauro se casa com Maria Vilela de Almeida, o casal se tornando o centro das atenções da pequena cidade devido, principalmente, à informalidade do rapaz, chegado a uma modernidade. Data dessa época sua aproximação com o fotógrafo Pedro Comello e sua fama como o primeiro instalador de rádios para os ricos da região. Como Humberto, Comello era fã absoluto da nascente indústria cinematográfica. Já com 50 anos, esse italiano era cheio de habilidades: instrumentista, professor de línguas, afinador de pianos etc. E dentro de pouco tempo, ambos planejam enveredar rumo ao novo entretenimento.

Financiado por um comerciante local, Homero Cortes Domingues, e utilizando uma Pathé baby 9,5 mm, os dois amigos filmam, em 1925, o pequeno e histórico Valadino, o Cratera, um, digamos assim, faroeste mineiro-caboclo. Logo depois, partem para um projeto mais ambicioso, o de filmar uma história um pouco mais elaborada, Os Três Irmãos, um melodrama escrito por Comello, impossível de ser filmado, devido aos parcos recursos existentes à época. Isso ainda em 1925.

Entretanto, para sorte da dupla, outro rico comerciante, Agenor Cortes de Barros, se junta ao grupo e, logo, fundam a Phebo Sul American Film. A notícia um tanto quanto estranha de que, em breve, seriam rodados filmes em Cataguases, tal qual em Hollywood, alvoroça a cidade e as vizinhanças, ao mesmo tempo em que começa a realmente colocá-la no mapa do Brasil, ao menos para os cinéfilos. E logo, em 1926, é rodado o primeiro filme, Na Primavera da Vida, estrelado por Eva Nil, filha de Comello e considerada uma das mulheres mais lindas de seu tempo, transformada em estrela de nível nacional pelo crítico Pedro Lima, não obstante seus filmes praticamente não terem sido lançados fora de Cataguases.

A história de Na Primavera da Vida é simples e ingênua: um vigia de um posto fronteiriço (papel interpretado por Chico Mauro, irmão de Humberto) mora na cidade em um ambiente limpo e agradável. O filme deixa claro que é um local civilizado. Ao mesmo tempo, o chefe de uma quadrilha de contrabandistas que, com sua atividade, diminui a renda do posto fronteiriço, freqüenta, com seu bando, um botequim de terceira categoria, onde sempre promove arruaças. A contraposição entre civilização e estado da natureza é evidente. Com o desenrolar da história, o mocinho se apaixona pela heroína, que é desejada, ao mesmo tempo pelo facínora, que, se sentindo rejeitado, a rapta. Após algumas ações, o galã salva a donzela, terminam os problemas do posto, e o casal vive feliz para sempre. O filme praticamente se perdeu, dele restando somente alguns fotogramas.

Paralelamente, os donos da Phebo Film empreendem diversas tentativas de tornarem a companhia conhecida em outras fronteiras. Como Adhemar Gonzaga era proprietário da revista Para Todos, onde o cinema tinha seu lugar de destaque, a meta do grupo seria a de fazer com que a Phebo começasse a ser objeto de matérias na revista. Adhemar, entretanto, já tinha outro projeto gráfico em andamento, a criação de uma revista - Cinearte - dedicada totalmente ao cinema, colocando-a à disposição de Humberto. Após os primeiros contactos, os dois cineastas estreitam a amizade, Adhemar se tornando também mestre e influência do mineiro.

Apesar de tudo, o filme recebe severa crítica da revista, assinada por Pedro Lima, que criticava praticamente tudo do filme, começando por sua concepção, sua fotografia, suas imagens e, principalmente, sua linearidade. Isso fez com que o filme fracassasse tanto no Rio de Janeiro, quanto em Belo Horizonte, apesar de pagar os relativamente baixos custos de produção.

Antes mesmo do lançamento de Na Primavera da Vida, a Phebo Film inicia uma nova produção Os Mistérios de São Mateus (1926), roteirizado e dirigido por Comello. Um drama policial, o filme também não pôde ser concluído, devido às complicações da história insanáveis àquela altura do campeonato. Mas, o grupo estava animado e coeso, o que lhe possibilita a realização de dois filmes ao mesmo tempo, o policial acima citado e Tesouro Perdido (1926/27). As filmagens desse último filme se tornaram complicadas; Eva Nil, a estrela, com forte personalidade, se desentende com a produção, mais precisamente com Humberto, e abandona os sets de filmagens, tendo sido substituída pela esposa de Humberto, que atuou com o nome de Lola Lys. Era o início dos problemas da Phebo, mas, apesar de tudo, as filmagens continuam e o filme foi concluído.

O enredo do filme, também um faroeste, segue o mesmo padrão de Na Primavera da Vida, os bons versus os maus. Suzana, a heroína, seu pai e os órfãos Bráulio e Pedrinho vivem felizes em uma granja. Entretanto, têm como vizinho um facínora de pior qualidade, Manuel Faca (vivido pelo próprio Humberto Mauro), que (também) freqüenta um boteco de última espécie, onde a principal atração é um jogo de dados. Um tesouro escondido pelos pais dos órfãos é disputado pelos irmãos e pelo bandido. O final é, obviamente, feliz.

Tesouro Perdido, em termos de construção global, surpreende a crítica, que elogia sua narrativa, a ação e os subentendimentos, um dos problemas mais discutidos entre Humberto Mauro e Adhemar Gonzaga. Cinearte inclusive considerou-o o melhor filme de 1927, mesmo não sendo lançado no Rio de Janeiro. Sempre foi o filme preferido do cineasta mineiro, ficando seus custos em torno de 29 contos de réis.
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Após Tesouro Perdido, a Phebo filma Brasa Dormida (1928, custo de 36 contos de réis), com uma novidade: Humberto e companhia abandonam o esquema semiprofissional e contratam profissionais do eixo Rio-São Paulo, o fotógrafo Edgard Brasil, um craque, o único a receber salário mensal alem do próprio Humberto, e a jovem atriz carioca Nita Ney, a protagonista do filme, que, tendo a boca um pouco torta, e por isso não fotografando bem, teve seu papel um tanto quanto diminuído.
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Concomitantemente, Adhemar Gonzaga e sua turma iniciam Barro Humano,(produzido em 1929, roteiro e direção de Adhemar, contando no gigantesco elenco com Gracia Moreno, Carlos Modesto, Lelita Rosa, Eva Schnoor, Eva Nil, Martha Torá, Luiza Del Vale, Oly Mar, Lia Renée, Carmen Violeta, Gina Cavalieri, Manoel F. de Araújo, Esperança de Barros, Teófilo Luciano da Silva, Brutus Pedreira (homem loiro no baile, grande amigo de Paulo Francis), Adhemar Gonzaga, Pedro Lima, Álvaro Rocha, Paulo Benedetti, Raul Schnoor, Sílvio Schnoor, Milton Marinho, Ivan Villar, Paulo Morano, Maria Conceição Correia, Yvone Strada, Iria Miraino, Estela Mar, Francisco Soroa, Edgar Brazil, Maria das Dores, Ligia Macedo Soares, Margareth Edwards, Lourival Agra, Taciana Rei, Zaíra Fontenelle, Genesy Ribeiro Gonzaga, Alfredo Rosário, Sérgio Soroa, Humberto Mauro, Polly de Viena, Carmen Alves, William Schucair, Reynaldo Mauro e Bia Silva Melo) os dois filmes entrando na história da cinematografia brasileira por suas qualidades, muito avançadas à sua época. Barro Humano, inclusive, além do grande sucesso popular, uma das melhores bilheterias até então, ganhou do Jornal do Brasil e da revista Cinearte o título de Melhor Filme do ano

Contudo, apesar do caráter cosmopolita de Brasa Dormida, uma vez que o Rio de Janeiro é o cenário de parte da produção, o cinema de Humberto Mauro é cada vez mais considerado provinciano, a maioria de seus filmes protagonizados por pessoas de Cataguases, sendo Humberto Mauro acusado, entre outras coisas, de se descuidar em seus filmes das etiquetas sociais, imperdoável para quem deseja fazer um cinema em moldes hollywoodianos, conforme desejo do pessoal da Cinearte. De qualquer forma, o filme, apesar das críticas dúbias, a maioria desfavorável, alcança razoável sucesso, o maior de Humberto Mauro até então.

Em 1929, a Phebo inicia mais uma produção, Sangue Mineiro, com roteiro elaborado pelo próprio Humberto e estrelado pela consagrada Carmem Santos, coadjuvada por Nita Ney, que entra na produção com parte dos investimentos. Os exteriores foram filmados em Belo Horizonte, então uma aprazível capital com ares de cidade do interior, procurada por doentes do pulmão de todo o Brasil, devido a seu clima ameno e temperado. Os interiores, num barracão de um dos integrantes do grupo, Agenor de Barros, transformado em estúdio de razoável qualidade para a época.

Humberto Mauro, já então senhor de bastante experiência, domina a linguagem cinematográfica em toda a sua extensão, o que permite o término do filme em tempo recorde. Mas, uma novidade traz com ela nuvens carregadas: o cinema mudo entra em crise profunda devido ao advento do cinema falado. O grupo da Cinearte entra em parafuso, e Sangue Mineiro, cujos custos alcançaram a razoável cifra de 48 contos de réis, tem cobertura insignificante, tanto da revista quanto de outros meios de comunicação.

Aliados a isso, os já conhecidos problemas de distribuição atrapalham mais ainda a carreira de Sangue Mineiro, porquanto os grandes grupos estrangeiros monopolizam o mercado, não dando bola para os filmes nacionais. E, com o surgimento do filme sonoro, as dificuldades aumentam mais ainda, todos à procura da novidade que estava assombrando o mundo inteiro. A Phebo, endividada e sem perspectiva, não dura muito mais tempo e logo fecha as portas. É o fim do “Ciclo de Cataguases”, uma das experiências mais importantes do cinema brasileiro.

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De forma que, ao contratar Humberto Mauro, Adhemar Gonzaga não precisava se preocupar com as filmagens; conhecia o cineasta mineiro, considerava-o o maior diretor brasileiro e admirava enormemente seus filmes.

Como a Cinédia contava com uma infra-estrutura bastante razoável, o filme foi concluído dentro do prazo previsto. Lábios Sem Beijos foi recebido com críticas contraditórias; se por um lado se reconhecia sua ótima fotografia e seu fino acabamento técnico, por outro, sua história, calcada em relações familiares - uma rica e linda garota, Lelita (Lelita Rosa), está enamorada de seu primo Paulo (Paulo Morano), mas que, no desenrolar do filme, tem razões de sobra para acreditar que ele está tendo um romance com a irmã, Gina (Gina Calavieri), confusão que, assim que esclarecida, permite o final feliz do filme -, com tratamento leve, foi tachada de "fútil" pela crítica.

A Cinédia entra então em um ritmo de produção digno de nota. Em 1931, Otávio Gabus Mendes dirige Mulher, filme marcante pela ousadia de seu roteiro considerado forte para a época. Os filmes seguintes da companhia foram Onde a Terra Acaba (1933), de Otávio Gabus Mendes, e Ganga Bruta (1931/33), também dirigido por Humberto Mauro, este último sendo, atualmente, considerado um clássico do cinema nacional, entrando em quase todas as listas dos 10 melhores filmes brasileiros de todos os tempos. É um filme fortemente erótico e com conotações freudianas, apesar de ainda ter o sabor do interior de Minas Gerais
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O argumento de Ganga Bruta, de autoria de Octávio Gabus Mendes, roteirizado pelo próprio Humberto Mauro, com belo "score" musical de Radamés Gnatalli e de Humberto, narra a história de um jovem, Marcos (Durval Belline) que, ao se saber enganado pela noiva (Lu Marival) na noite docasamento, a mata alucinado. Absolvido tanto pela sociedade quanto pelo corpo de jurados, muda-se para uma pequena cidade do interior, contratado para serviços de construção. Nessa cidade, conhece Sônia (Déa Selva), loura e linda, porém já noiva de Décio (Décio Murilo) e por quem se apaixona. Quando descobre o que acontecia à sua volta, Décio, desesperado, se entrega à bebida, que lha dá forças para lutar pela mulher. Inconformado em perder a noiva, procura o rival para um acerto de contas. Completam o elenco Andréa Duarte, Alfredo Nunes, Ivan Villar, Carlos Eugênio, Francisco Bevilacqua, João Baidi, Humberto Mauro, Adhemar Gonzaga, Elsa Moreno, Renato de Oliveira e outros mais.

Sobre a trilha sonora de Radamés e a canção Ganga Bruta, com letra de Joracy Camargo e música de Heckel Tavares, cantada por Jorge Fernandes, a revista Cinearte publicaria em 15 de abril de 1933, um mês antes de o filme ser efetivamente lançado:

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"(...) As demais músicas são motivos tirados da canção citada e do batuque. Há, ainda, isoladamente, uma outra canção da autoria de Heckel Tavares, com letra de Joracy Camargo. Essa canção é cantada por Jorge Fernandes, o conhecido cantor carioca, que é acompanhado por um grupo de notáveis violinistas, chefiados por Pereira Filho, considerado o melhor violinista do Rio, Jorge André e Medina. Ouviremos também algumas músicas portuguesas, executadas em guitarra por Pereira Filho, que por sua vez faz o solo do violão, que se ouvirá em várias partes da história. A canção de Heckel Tavares foi ensaiada por ele próprio, ensaio esse que se realizou no próprio estúdio, durante vários dias, com a presença de Déa Selva, que, aliás, canta trechos no filme. Todas essas músicas são genuinamente brasileiras. E terminando convém frisar ainda que a orquestra do Maestro Radamés foi composta dos mais exímios executantes que se poderiam desejar, entre eles Iberê Gomes, o melhor violoncelista da América do Sul.

Ganga Bruta não é um filme propriamente falado, mas não é silencioso: tem ruídos, falas, músicas e melodias que exprimem situações e muitas são as cenas silenciosas que falam mais do que a voz do movietone.

(...)

Quando do relançamento de Ganga Bruta em Belo Horizonte (01.09.1984), Fernando Pires Fonseca publica no jornal Estado de Minas uma interessante matéria sobre o filme, que merece ser transcrita pelo que revela sobre a película, sua história e seus bastidores:

"O último filme ‘Made in Cascadura’, que vimos na Cinelândia, tinha dois metros de celulóide, esticando uma bobagem que caberia nas costas de um selo. O público rindo do drama até onde pôde e, quando não pôde mais, foi chorar o dinheiro da entrada na cama, que é lugar quente..." A bobagem a que o cronista Henrique Ponguetti se refere é o filme Ganga Bruta, que poucos dias antes estreara na Cidade Maravilhosa, cercado por chacotas e piadas de mau-gosto. ‘Abacaxi da Cinédia’, ‘o pior filme de todos os tempos’; o autor para muitos um ‘Borzage de São Januario’, ‘Freud da Cascadura’; a produtora do filme — Cinédia —, segundo outro, daria uma ‘esplêndida fábrica de goiabada’, e por aí afora. O senso de humor do pessoal não era dos ‘piores’: este tipo de recepção irônica a obras artísticas que fugiam ao senso dominante não era e não é novidade: anos antes, o poeta Augusto dos Anjos fora malhado impiedosamente pela crônica local; outro filme, Limite, recebera também críticas hostis, e etc. e etc..
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Quando da primeira exibição Ganga Bruta rendera parcos quinze mil réis, sumindo logo depois de circulação. Graças a Carl Scheiby ele foi resgatado: remexendo nos arquivos da Cinédia ele Mauro) e exibiu-o em 1952 na 1ª Retrospectiva do Cinema Brasileiro, obtendo então consagração. Assim, depois de considerado praticamente perdido, o filme ressuscitou por um acaso fortuito. Agora, graças ao empenho de empresas privadas, do governo Estadual e da Embrafilme, pudemos tomar contato com esta obra praticamente inédita para a novíssima geração.

Infelizmente, só pude assisti-la uma vez, quando da abertura da mostra, cabeça sob leve efeito do coquetel e do blá-blá costumeiro que acompanha tais eventos; sendo assim, minha impressão inicial foi de perplexidade pura. Depois, o processo gradual de reconstruir as imagens na mente, o papo com os amigos a respeito, quando então podem surgir observações curiosas — ‘achei machista’ — analogias — lembrei os melodramas de Fassbinder... coisas de saída de cinema, que, afinal de contas, pertencem de certa forma ao objeto fílmico. Então pude ter uma impressão mais ou menos geral da obra. Pode-se dizer que estou assistindo-a há uma semana. ‘Ganga’, segundo a definição de Aurélio é um ‘resíduo, em geral inaproveitável, de uma jazida mineral’; e ‘um tecido forte, azul ou amarelo’.

Ganga bruta: um engenheiro mata a esposa na noite de núpcias. Motivo: ela o traía. Só teremos certeza disso no decorrer do filme, quando, em "flash-back", ele rememora o namoro, as suspeitas, o noivado e, por fim, o crime. E absolvido (como vêem, a história, afinal de contas, é assaz conhecida...) por unanimidade e refugia-se no interior (na dupla acepção da palavra). A metáfora obviamente remete ao engenheiro Marcos Resende, que após o crime torna-se um resíduo duro e forte como um minério, e justifica-se tendo em vista ser ele um engenheiro. Neste entrelaçamento de imagens, metáforas e alegorias, Humberto Mauro narra a sutil transformação de Marcos, inserida sempre num contexto marcadamente sensual, plástico, feérico e impressionista. O que sem dúvida atrai e surpreende em "Ganga Bruta" é esta forte carga de sensualidade, captada magistralmente por movimentos de câmera expressivos, nitidamente sensuais no modo como se aproximam dos objetos. Como já observou Glauber, este ‘é um filme (...) concebido com absoluta maturidade’.

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Humberto Mauro a consegue de maneira algo despretensiosa, vezes desequilibrada, utilizando efeitos naturalmente da época, como exemplo o excesso de metáforas (que, como já percebemos, iniciam-se a partir do próprio título) facilmente constatáveis tanto no cinema que se fazia quanto na literatura. Deve-se registrar, já que falei em literário, este natural parentesco literário (que afinal de contas atingiu na época proporções maiores, vide Semana de Arte Moderna de 22, movimentos europeus de vanguarda) que a obra de Humberto Mauro apresenta, sem esquecer que boa parte de seus primeiros filmes realizaram-se sincronicamente à existência da revista ‘Verde’ de Cataguases. Em Ganga Bruta traços de José de Alencar podem ser discernidos sem maiores esforços, que, felizmente, não influi muito. Alguém já notou que se Humberto Mauro tivesse se tornado romancista sua contribuição para nossa cultura teria sido nula; felizmente ele resolveu contar suas histórias em imagens. E aí sua contribuição é inigualável, além de viva.

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Assistam Ganga Bruta, esqueçam a lorota do deslumbrado articulista e confiram. Garanto que não irão chorar o dinheiro da entrada na cama, as poltronas do cinema (nem todos é claro) também são quentes."

A Cinédia lançaria a seguir: Honra e Ciúme (1933), de Antônio Tibiriçá, e A Voz do Carnaval (1933), este dirigido pela dupla Humberto Mauro/Adhemar Gonzaga, um semidocumentário,que intercalava cenas de desfiles de ruas – desfile de corsos, batalhas de confetes etc. – com outras filmadas em estúdio, e que foi o primeiro filme falado e carnavalesco da companhia; Alô, Alô, Brasil (1935), dirigido por um astucioso americano, Wallace Downey, e roteirizado pela dupla do barulho, João de Barro e Alberto Ribeiro (que também auxiliaram na direção).

A dupla, fortemente ligada ao rádio e aos discos, introduz vários números musicais no filme: Cidade Maravilhosa (André Filho), com Aurora Miranda, Foi Ela (Ary Barroso), com Francisco Alves, Muita Gente Tem Falado de Você (Mário Paulo e Arnaldo Pescuma), com o Bando da Lua (que logo estaria acompanhando Carmen Miranda em sua aventura hollywoodiana), Primavera no Rio (João de Barro), com Carmem Miranda, Rasguei a Minha Fantasia (Lamartine Babo), filme que conta no elenco com o galã Mário Reis e com meio mundo do meio artístico carioca, despontando Almirante, Francisco Alves, Ary Barroso, Sílvio Caldas, Virgínia Lane etc. e ponham etc. nisso.

Caetano Veloso interpretando Cidade Maravilhosa

Carmen Miranda interpretando Primavera no Rio.

Olívia Byington interpretando Primavera no Rio.

Dalva de Oliveira e Leila Diniz interpretam Primavera no Rio.

Francisco Alves interpretando Foi Ela no filme Alô, Alô, Brasil.

E, na esteira deste último musical, grande sucesso de público quando lançado às vésperas do carnaval, quase que imediatamente, os estúdios lançam Estudantes (1935), da mesma equipe anterior. O filme, em cujo elenco pontificam Carmen Miranda, Mário Reis e Aurora Miranda, narra a história de uma cantora do rádio (Carmen Miranda), que joga seu charme sobre uma turma de estudantes, deixando dois deles (Mesquitinha e Barbosa Júnior) apaixonados e dispostos a conquistá-la. Só que a garota é apaixonada por outro (Mário Reis), mesmo não cortando o barato dos dois enamorados.

O filme é, mais uma vez, um desfile de sucessos musicais, a maioria tornando-se clássicos da música popular brasileira: Linda Mimi (João de Barro), com Mário Reis, Onde Está Seu Carneirinho (Custódio Mesquita), com Aurora Miranda, Lalá (João de Barro e Alberto Ribeiro), com o Bando da Lua, E Bateu-se a Chapa (Assis Valente), com Carmen Miranda, Assim Como o Rio (Almirante), com o próprio compositor, e outros.

Depois de se aventurar de forma não muito bem sucedida em duas produções com um grupo argentino (Noites Cariocas e Carioca Maravilhosa), à sombra ainda do sucesso de Alô, Alô, Brasil, a Cinédia lança, em 1936, o longa Alô, Alô, Carnaval, com retumbante sucesso. Dirigido por Adhemar Gonzaga, e com os mesmos roteiristas (Braguinha e Alberto Ribeiro), o filme, narrando as dificuldades de dois autores em conseguir um empresário para uma revista por eles intitulada Banana-da-Terra. Quando vão a um cassino, lembram-se de que ali seria o local ideal para a montagem do espetáculo e procuram o empresário que recusa a oferta. Mas, como a atração contratada pelo empresário não chegara da França, ele corre em busca dos dois e aceita a revista.

E durante o desenrolar do espetáculo, as coisas mais incríveis acontecem. Neste filme, como já estava se tornando moda nos estúdios Cinédia, desfilam na película dezenas de clássicos da MPB, com destaque para Pierrot Apaixonado (Noel Rosa/Heitor dos Prazeres), com Joel de Almeida e Gaúcho; Manhãs de Sol (Braguinha/Alberto Ribeiro), com Francisco Alves; Pirata da Areia, da mesma dupla anterior, interpretada por Dircinha Batista; A.M.E.I. (Frazão/Nássara), também com Francisco Alves; Linda Mimi (Ary de Calazães Fragoso), com Luiz Barbosa; Não Beba Tanto Assim (Geraldo Decourt), com as Irmãs Pagãs; Negócios de Família (Assis Valente e Hervê Cordovil), com o Bando da Lua e dezenas de outros, culminando com a hoje célebre Cantoras do Rádio, imortalizada pelas irmãs Carmen e Aurora Miranda.
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Carmen e Aurora Miranda interpretando Cantoras do Rádio no filme Alô, Alô, Carnaval.

Carmen Miranda interpretando Querido Adão no filme Alô, Alô, Carnaval.

Joel e Gaúcho interpretando Pierrot Apaixonado no fillme Alô, Alô, Carnaval.

Joel e Gaúcho interpretando Maria, Acorda Que é Dia no filme Alô, Alô, Carnaval.

Alzirinha Camargo interpretando Cinqüenta Por Cento no filme Alô, Alô, Carnaval.

Francisco Alves interpretando Comprei Uma Fantasia de Pierrot no filme Alô, Alô, Carnaval.

Francisco Alves interpretando Manhãs de Sol no filme Alô, Alô, Carnaval.

Dircinha Batista interpretando Muito Riso, Pouco Ciso no filme Alô, Alô, Carnaval.

Mário Reis interpretando Teatro da Vida no Filme Alô, Alô, Carnaval.

Mário Reis interpretando Cadê Mimi no filme Alô, Alô, Carnaval.

Francisco Alves interpretando A.M.E.I. no filme Alô, Alô, Carnaval.

Bando da Lua interpretando Negócios de Família no filme Alô, Alô, Carnaval.

Luiz Barbosa interpretando Seu Libório no filme Alô, Alô, Carnaval.

Reza a lenda que Aracy de Almeida participaria do filme, interpretando Palpite Infeliz, de Noel Rosa, vestida de lavadeira, estendendo roupa no varal. A cantora teria desistido de sua participação, tendo Noel Rosa retirado a canção do filme.

A este sucesso, segue-se outro de igual proporção: Bonequinha de Seda (1936), considerado por diversos críticos como um dos filmes mais importantes da década de 30 e a primeira superprodução brasileira. Dirigido por Oduvaldo Viana Filho (responsável também pelo argumento e pelos diálogos), o filme tem como mocinha a atriz Gilda de Abreu,que, alguns anos depois, se tornaria famosa, quando dirige um dos maiores êxitos do cinema brasileiro, O Ébrio (1946), com o seu famosíssimo marido , Vicente Celestino. Oduvaldo desenvolveu um roteiro em que a jovem Marilda (Gilda de Abreu) começa a freqüentar a alta sociedade carioca, passando-se por uma pequena francesa, educada em Paris e chegada há pouco da Europa. Sua presença nos salões causa sensação, conquistando a todos tanto pela presença como pela educação que demonstra. Ela então começa a ser cortejada por todos os rapazes da elite, ao mesmo tempo em que desperta a inveja das garotas em virtude de seus belos vestidos e seu esmero em se vestir. Todos comentavam que tanta elegância só poderia ser ostentada por alguém vindo da civilizada Paris.

Como a garota era mais brasileira do que nunca, todos os seus vestidos confeccionados aqui mesmo no Brasil, o filme termina por ser uma ácida crítica à atitude de certa parcela da população que só vê qualidade e beleza no que vem do estrangeiro.

Comentava-se que o enredo fora desenvolvida para Carmen Miranda que, devido a outros compromissos, não pôde atuar na película. Gilda de Abreu foi, então, convidada, tendo o roteiro sido totalmente reescrito para adaptar-se à personalidade da nova estrela. Comentava-se, também, que Gilda teve de fazer uma plástica nas maçãs do rosto com um cirurgião sueco em São Paulo, pois nos testes do filme a artista aparecia com as maçãs fundas. Seja como for, o estrondoso sucesso do filme, tanto de público quanto de crítica, assombrou todo o mundo da Cinédia; a película ficou mais de um mês em cartaz, por isso, atrasando o lançamento de diversos filmes de Hollywood.

E, ao longo dos anos, atravessando a década de 30 e entrando na de 40, a Cinédia lançaria dezenas e dezenas de títulos, O Jovem Tataravô (1936), direção de Luiz de Barros, com Marcel Klass encabeçando o elenco; Caçando Feras (1936), dirigido por Líbero Luxardo, com Barbosa Júnior no papel principal; O Descobrimento do Brasil (1937), dirigido e roteirizado por Humberto Mauro, com Álvaro Costa no papel de Pedro Álvares Cabral e Manoel Rocha como Pero Vaz de Caminha; Samba da Vida (1937), dirigido por Luiz de Barros e com Jayme Costa encabeçando grande elenco (chamando a atenção a presença no filme da extraordinária dançarina Eros Volúsia); Alegria (1937), o inacabado filme de Oduvaldo Vianna; Alma e Corpo de uma Raça (1938), com direção, argumento, roteiro e diálogos a cargo de Milton Rodrigues. Este filme é um semidocumentário da epopéia do esporte (primeiro filme a mostrar uma partida de futebol, no caso um Fla X Flu), também sendo o primeiro em longa-metragem com quase todo o elenco composto por artistas amadores e atores de teatro, chamando, também, a atenção a participação de esportistas amadores do Flamengo; Aruanã (1938), outro filme tipo semidocumentário da companhia dirigido, produzido e roteirizado por Líbero Luxardo; Maridinho de Luxo (1938), direção de Luiz de Barros, com Mesquitinha no papel principal e trazendo no elenco, em pequeno papel, a futura estrela da Atlântida, Fada Santoro; Tererê Não Resolve (1938), outra comédia (foi produzida em apenas uma semana) dirigida por Luiz de Barros, outra vez com Mesquitinha encabeçando o elenco; Está Tudo Aí (1939), filme, dessa feita dirigido pelo astro da companhia, Mesquitinha que, também, é o ator principal. A novidade nessa produção é a presença, em pequeno papel, do futuro superastro da Atlântida, Oscarito; Joujoux e Balangandãs (1939), direção de Amadeu Castelaneta, filme independente, baseado na revista de espetacular sucesso homônima, tendo a Cinédia alugado os equipamentos e os estúdios a preços de custo para colaborar com a primeira-dama, dona Darcy Vargas; Onde Está a Felicidade (1939), direção, roteiro e montagem a cargo de Mesquitinha, dessa feita com o galã Rodolfo Mayer em seu primeiro papel como protagonista.

O primeiro filme a ser produzido nos estúdios da Cinédia na década de 40 foi Direito de Pecar (1940), na realidade, uma produção da Pan América Filmes, direção e argumento de Léo Marten, trazendo no elenco César Ladeira e Nilza Magrassi nos papéis principais. Vieram a seguir: Eterna Esperança (1940), uma co-produção entre a produtora paulista Companhia Americana de Filmes com a Cinédia, dirigida novamente por Léo Marten, cuja importância se deve ao fato de ter sido a primeira película a contar com dublagem no Brasil; Pureza (1940), direção e cenários do espetaculoso Chianca de Garcia, baseado no romance homônimo de José Lins do Rego, com Procópio Ferreira como ator principal. Foi considerado o melhor filme de 1940; 24 Horas de um Sonho (1941), outro filme dirigido por Chianca de Garcia e que traz a diva do teatro brasileiro da década de 40 Dulcina de Moraes como protagonista; O Dia é Nosso (1941), argumento e direção de Milton Rodrigues, diálogos acaipirados de José Lins do Rego, Genésio Arruda (Caipira Guarabira), Paulo Gracindo (Campos), Roberto Acácio (Médico), Oscarito (Dr. Lemos), Sadi Cabral (Vendedor de bilhetes) e a estrela Nelma Costa (Enfermeira) nos papéis principais; Sedução do Garimpo (1941), com Luiz de Barros, novamente, se encarregando de tudo, da direção, argumento, roteiro e montagem, filme com pretensões de atingir o mercado norte-americano (contratando, por isso, dois atores desse país, Frank Mazzone e Dianne Dreene), sendo o primeiro a ter diálogos em inglês e espanhol. Ambientado na misteriosa selva brasileira, o filme foi, na realidade, filmado na então remota Barra da Tijuca; Tudo é Verdade/I’ts All True (1942), filme inacabado de Orson Welles, filmado em parte nos estúdios da Cinédia; Abacaxi Azul (1943), outra comédia carnavalesca, uma espécie de revista musical, produzida e dirigida por Wallace Downey, com dezenas de números musicais, Acontece Que Eu Sou Baiano (Dorival Caymmi), com o próprio autor, Oh! Suzana (Braguinha), com Marilu Dantas, Voltemos a Viena (Paulo Barbosa e Osvaldo Santiago), com Dircinha Batista, Luar de Paquetá (Hermes Fontes e Freire Júnior), com Arnaldo Amaral e Enide Braga; Vestido de Bolero (Dorival Caymmi), com os Anjos do Inferno, intérpretes também de Antonico Ficou Rico (Antônio Almeida e Roberto Roberti) e diversas outras.

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Rosa Passos interpretando Vestido de Bolero.

Caetano Veloso e João Gilberto interpretando Acontece Que eu Sou Baiano.

E mais: Caminhos do Céu (1943), drama sentimental dirigido por Milton Rodrigues, tendo o galã Celso Guimarães no papel principal, secundando um elenco em que participam Rosina pagã, Eros Volúsia, Grande Otelo, Luiz Tito, Sarah Nobre, Grijó Sobrinho, Nilza Magrassi e outros; Samba em Berlim (1943), outra comédia musical de Luiz de Barros recheada de números musicais, Vatapá (Dorival Caymmi), com os Trigêmeos Vocalistas, Nós, as Mulheres (Jararaca e Jorge Murad), com Jararaca e Ratinho, Conceição (Herivelto Martins), com Linda Batista, A Lenda do Abaeté (Dorival Caymmi(, com o Trio de Ouro, também intérpretes de Praça Onze (Grande Otelo e Herivelto Martins), Ela (outra composição de Herivelto Martins, em parceria com Príncipe Pretinho), com Francisco Alves, Danúbio Azulou (Nássara e Frazão), com Virgínia Lane, número musical que foi vetado pela censura, e muitos outros.
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Gal Costa interpretando Vatapá.

Patrícia Costa interpretando A Lenda do Abaeté.

O sucesso dessa última película – que trazia Mesquitinha, a iniciante Dercy Gonçalves, a estrela do teatro Laura Suarez, Grande Otelo (antes da fama), Ziembinski (que, nesse ano revolucionaria o teatro brasileiro com sua montagem de Vestido de Noiva, de Nelson Rodrigues), Grijó Sobrinho, Catalano e outros – foi especial para a Cinédia, pois os estúdios estavam passando por dificuldades financeiras por causa dos percalços da guerra, já que era impossível conseguir matéria prima, principalmente o “positivo”, para fazer mais cópias.

Em seguida veio Berlim na Batucada (1944), outra comédia musical escapista de Luiz de Barros, cujo título se inspirou nas notícias chegadas ao Brasil dos bombardeios efetuados pela FAB sobre a capital alemã. O filme tem tantos números musicais que fica até maçante elencá-lo: A Tristeza (Herivelto Martins e Heitor dos Prazeres), com Léo Albano e Luizinha Carvalho; Verão do Havaí (Benedito Lacerda e Haroldo Lobo), com Fada Santoro (dublada por Dalva de Oliveira, já mostrando suas garras), Silenciar a Mangueira, Não (Herivelto Martins e Grande Otelo), com Francisco Alves; A Marcha do Boi (Pedro Camargo), com os Trigêmeos Vocalistas; Bom Dia, Avenida (Herivelto Martins e Grande Otelo), com o Trio de Ouro; Odete (Herivelto Martins e Dunga), com Leo Albano, Quem Vem Descendo (Herivelto Martins e Príncipe Pretinho), com o Trio de Ouro, Francisco Alves e as girls dos cassinos da Urca e Icaraí, e muitos, muitos mais.

A II Guerra Mundial, nesse momento contando com a participação de praticamente toda a Europa e os Estados Unidos, estava prejudicando bastante o cinema brasileiro, com reflexos até a década de 50, porquanto, por estarem racionados, também não existiam negativos suficientes para as filmagens, muito menos produtos químicos de laboratório. A Cinédia sentia na pele o problema, mas, mesmo assim, isso não impediu que vários filmes fossem produzidos: O Brasileiro João de Souza (iniciada em 1942, mas, somente lançado em 1944), primeiro filme antinazista produzido no Brasil, direção, produção, argumento e roteiro de Bob Chust, montagem e direção artística a cargo de Ziembinski (que também interpretava um espião alemão, sendo, na verdade um refugiado dessa mesma guerra); Corações Sem Piloto (1944), outra comédia de Luiz de Barros, cuja maior atração é a estréia de Marlene (cantando Arrasta o Pé, de Peterpan e Afonso Teixeira) e do locutor César de Alencar no cinema nacional; Romance Proibido, filme iniciado em 1939, mas lançado no mercado nesse ano de 1944.

Adhemar Gonzaga, que sempre produzia as películas da Cinédia, dessa feita, também, dirigiu e fez o argumento e o roteiro. Mais uma vez, o elenco secundário é que chama a atenção, porquanto, muitos deles se tornaram, mais tarde, estrelas do cinema nacional, a exemplo de Fada Santoro, Grande Otelo, Violeta Ferraz, Osvaldo Loureiro e Dercy Gonçalves; O Cortiço (1945), um dos poucos dramas dirigidos por Luiz de Barros para a Cinédia, baseado no romance realista e considerado pornográfico homônimo de Aluízio Azevedo, contando no elenco com Manoel Vieira (João Romão), Miguel Orico (Jerônimo), Manoel Rocha (Bardo Miranda), Colé (em seu primeiro filme, no papel de Firmo Capoeira), Horacina Corrêa (Rita Baiana) e outros.

O Cortiço foi eleita pela Associação Brasileira de Cronistas Cinematográficos e pela Academia Brasileira de Letras como a melhor produção brasileira de 1945, tendo Luiz de Barros recebido a estatueta Índio, do Jornal de Cinema, como melhor prêmio de direção. Não obstante o sucesso de crítica, o filme foi um fracasso de público, deixando os estúdios em situação complicada; Pif-Paf (1945), revista musical carnavalesca dirigida a quatro mãos por Adhemar Gonzaga e Luiz de Barros, trazendo Marlene como a mocinha e dezenas de números musicais, Isto é Brasil (Vicente Paiva e Sá Roriz), com a própria Marlene, Quero Ver Você, Disse Que é do Samba, Morro (todas de autoria de Waldemar Abreu e de Mário Rossi), com Herivelto Martins e seu grupo de samba, solos de Dalva de Oliveira, Ai, Adélia (Germano Augusti e Zé Gonçalves), com Zé e Zilda, além de outras; Caídos do Céu (1946), outra comédia musical de Luiz de Barros, que tem sua importância por ter sido a primeira produção após o fim da segunda guerra mundial, imortalizando, pela quantidade enorme de números musicais, o carnaval de 1946, o “carnaval da vitória”. Só para se ter uma idéia, apresentaram números musicais no filme Adoniran Barbosa, Isaurinha Garcia (duas músicas), Zé e Zilda, Trio de Ouro, Marly Lincoln, Geraldo Pereira (duas músicas), Dercy Gonçalves, Herivelto Martins, Francisco Alves, Olinda Alves, Ruth Martins, Linda Batista (duas músicas), Marlene, Nilton Paz, Ataulfo Alves e suas pastoras e Horacina Corrêa; O Ébrio (1946), um melodrama com direção de Gilda de Barros, argumento de Vicente Celestino, cantor que passava por altíssimos índices de popularidade, e que também foi escolhido para o intérprete principal do filme.

O Ébrio transformou-se em um fenômeno de público, um dos maiores, senão o maior sucesso da Cinédia. A nota cômica sobre a película é que ela estreou na Cinelândia exatamente no dia de um grande quebra-quebra no local, devido ao aumento dos preços dos ingressos no cinema.

Vicente Celestino interpretando O Ébrio no filme homônimo.

Vicente Celestino interpretando Porta Aberta no filme O Ébrio.

Devido a diversos problemas, a Cinédia ficaria vários anos sem produzir nenhum filme (motivo pelo quais os boatos sobre seu iminente fechamento ganharam força), alugando, nesse ínterim, seus estúdios para produções de terceiros, como foi o caso de Esta é Fina (1948) –, um filme menor, rodado em exatamente sete dias, com direção, roteiro e cenografia de Luiz de Barros para a Laboratórios Eletrônicos Brasileiros Ltda., financiada por Mário Falaschi. Com elenco inexpressivo, o filme chama a atenção pela quantidade de sucessos carnavalescos e de meio de ano que apresenta, muitos se tornando clássicos da música popular brasileira, como é o caso de Falta um Zero no Meu Ordenado (Ary Barroso/Benedito Lacerda), com Francisco Alves, Tem Gato na Tuba (João de Barro/Alberto Ribeiro), com Nuno Roland, Caminhemos (Herivelto Martins), com Cláudio Nonelli, A Mulata é a Tal (Braguinha/Antônio Almeida), com Joel de Almeida, Princesa de Bagdá (David Nasser/Haroldo Lobo), com Nelson Gonçalves, Minueto (Herivelto Martins/Benedito Lacerda), com o Trio de Ouro, Não me Diga Adeus (Paquito/Correia da Silva/Luís Soberano), com Aracy de Almeida, Gabriela (Romeu Gentil/W. Goulart), com Marlene, Baiana Escandalosa (José Batista/M. Batista), com Dircinha Batista, além de outros.

Turma do Balão Mágico interpretando Tem Gato na Tuba, música apresentada no filme Esta É Fina.

Tânia Alves e Trio Irakitan interpretam Caminhemos, música apresentada no filme Esta É Fina.

Elisete Cardoso e Elza Soares interpretando Não me Diga Adeus, música apresentada no filme Esta é Fina.

Também, nesse mesmo ano, foi realizado, em regime de co-produção com a Dipa Filmes e com a mesma Laboratórios Eletrônicos do Brasil Ltda., o filme Fogo na Canjica, outra pequena produção em que Luiz de Barros fez, em pouco mais de 15 dias, quase tudo, direção, roteiro, edição e cenografia. No elenco, o galã Orlando Vilar, Olivinha Carvalho Silveira Lima e diversos artistas famosos, Linda Batista, Dircinha Batista, Quatro Ases e Um Coringa, Trio de Ouro e Jararaca e Ratinho. Outra co-produção desse ano, dessa feita com a Proarte, foi Mãe, baseada em argumento do novelista da Rádio Nacional, Giuseppe Ghiaroni e que foi dirigida por Theófilo de Barros Filho. Um melodrama no melhor estilo mexicano, tipo “Madame X” à brasileira, Mãe traz Alma Flora no papel principal, secundada pelo pianista Bené Nunes (em seu primeiro filme), Amadeu Celestino e, em pequenas participações, a deusa do teatro, Luiza Barreto Leite, Olney Cazarré, César Ladeira, Delorges Caminha, Dary Reis e, estreando nas telas, o futuro nelsonrodrigueano Jorge Dória.

Quando Moacir Fenelon “dançou” na Atlântida, perdendo seu posto para Luiz Severiano Ribeiro Júnior, ele organizou a Cine Produções Fenelon, rodando, também nesse ano de 1948, seu primeiro filme, Obrigado, Doutor, outra versão cinematografia de uma peça radiofônica de um radialista da Rádio Nacional, Paulo Roberto, em co-produção com a Cinédia. Contando a história de um médico levado a cometer um crime e que, por amor à profissão, acaba denunciando-se a si mesmo, o filme, com pouco sucesso de público, foi eleito o Melhor Filme do ano pela Associação Brasileira de Críticos Cinematográficos, ficando ainda com os prêmios de Melhor Direção (Moacir Fenelon) e Melhor Interpretação (Rodolfo Mayer).

Emilinha Borba, nesse ano de 1948, já era a maior estrela do rádio brasileiro, sua popularidade, um fenômeno da cultura de massas. Aproveitando essa fama, Moacir Fenelon produziu e dirigiu, novamente em regime de co-produção com a Cinédia, Poeira de Estrelas, um desfile musical com ela no papel principal, acompanhada de uma das mais belas cantoras brasileiras de então, Lourdinha Bittencourt. Os números musicais dominam a cena: Boneca de Piche (Ary Barroso), com Emilinha Borba e Lourdinha Bittencout; Contraste (José Maria Abreu e Alberto Ribeiro) com Emilinha Borba; Quando Eu Penso na Bahia (Ary Barroso), com Lourdinha Bittencourt e Emilinha Borba; Você Quer Casar Comigo? (David Nasser e Hervê Cordovil), com Lourdinha Bittencourt e Emilinha Borba; Moreno Extraordinário (Nilo Moreira), com Lourdinha Bittencout e Emilinha Borba; Rumba (Guerra Peixe), com Bicalho y sus Rumberos; Dança Oriental (Guerra Peixe); Linda Flor (Henrique Vogeler, Luís Peixoto e Marques Porto), com Emilinha Borba; Devoção à Bahia (André Rosito e Aluízio Silva Araújo), com Lourdinha Bittencourt; Tico-Tico no Fubá (Zequinha de Abreu), com Trio Guarás, dentre outros.

Emilinha Borba e Lourdinha Bittencourt interpretando Quando Penso na Bahia, cena do filme Poeira de Estrelas.

Betty Faria e Grande Otelo interpretam Boneca de Piche, música apresentada no filme Poeira de Estrelas.

Olívia Byington interpretando Quando eu Penso na Bahia (Ary Barroso), música apresentada no filme Poeira de Estrelas.

Elis Regina interpretando Linda Flor (Vogeler/Peixoto/Porto), apresentada no filme Poeira de Estrelas.

Carmen Miranda interpretando Tico-Tico no Fubá (Zequinha de Abreu), música apresentada no filme Poeira de Estrelas.

Porém, mesmo sendo a empresa cinematográfica de maior representatividade da década de 30 e, de certa forma, da de 40 (agora competindo com os estúdios Atlântida), a Cinédia não conseguiu mesmo escapar das dificuldades. Nos últimos anos dos 40, como vimos, para tentar ultrapassá-las, cede seus laboratórios para outras companhias, aluga seus estúdios para outros produtores e, mais importante, inicia uma parceria com o governo e com empresários, realizando até filmes de propaganda sob encomendas. Mas, nada mais seria como antes. O pós-guerra alterara as relações de produção com as quais a Cinédia não soubera (ou pudera) lidar. E assim, apesar de ainda ter terminado a produção de mais alguns filmes, Estou Aí, (1949), co-produção com a Cine Produções Fenelon, direção de Cajado Filho, onde Emilinha Borba além de atuar, apresentou um de seus maiores sucessos carnavalescos de todos os tempos, Chiquita Bacana; O Homem Que Passa, um melodrama com pretensões freudianas, também de 1949, outra colaboração entre Fenelon e a Cinédia, direção de Moacir Fenelon, Rodolfo Mayer e Lourdinha Bittencourt encabeçando o elenco); Um Pinguinho de Gente, cujas filmagens se iniciaram pouco depois de O Ébrio, no início de 1947, mas, devido às conhecidas dificuldades, lançado somente no final de 1949, produzido por Adhemar Gonzaga, dirigido por Gilda de Abreu e estrelado por Anselmo Duarte e Vera Nunes; Vendaval Maravilhoso (1949), uma película dirigida por Leitão de Barros; Um Beijo Roubado, de 1950, com direção de Léo Marten, tendo Cyll Farney e Marlene encabeçando o elenco, filme em que Dick Farney interpreta a mítica Copacabana (João de Barro e Alberto Ribeiro); Agüenta Firme, Isidoro (1950/1951), dirigido por Luiz de Barros, trazendo no elenco Totó, Nelma Costa, Zé Trindade, Zaquia Jorge, a “Vedete de Madureira” e Violeta Ferraz; Loucos Por Música, cujas filmagens se iniciaram no já longínquo ano de 1945, mas lançado tardiamente em 1950, dirigido por Adhemar Gonzaga, e com Lena Monteiro (cantora lírica que atuava no Teatro Municipal), Colé, Walter Dávila, Jararaca e Ratinho, Mara Rúbia e Marlene nos papéis principais; Somos Dois (1950), uma parceria entre a Cinédia e o diretor Milton Rodrigues, dirigido pelo próprio Milton Rodrigues, filme em que os diálogos foram feitos por Nelson Rodrigues, Com Dick Farney e Marina Cunha nos papéis centrais; Todos Por Um, comédia carnavalesca de 1950 dirigida por Cajado Filho, cujo único interesse são os números musicais, dentre eles General da Banda (Tancredo Silva/Sátiro de Melo/José Alcides) e Rei Zulu (Nássara/Antônio Almeida, com Blecaute, EscocesaEu Já Vi Tudo (Peterpan/Amadeu Veloso), cantada em duo pelas rivais Marlene e Emilinha Borba, dentre outras; e, por fim, Anjo no Lodo (Dunga/Vicente de Abreu), com Emilinha Borba, (1950/1951), o último filme da colaboração Luiz de Barros/Cinédia, tendo a vedete Virgínia Lane como estrela, secundada por Cláudio Nonelli, Geny França Carlos Contrim, Manoel Vieira, Zé Trindade e outros.

Este filme teve sérios problemas com a censura, sendo liberado para ser exibido somente para maiores de 18 anos. Acontece que os moralistas de plantão começaram uma violenta campanha contra o filme, dentre eles o então deputado do PDC e futuro presidente do Brasil, Jânio Quadros, que, novamente, foi proibido de ser exibido em todo o território nacional. No entanto, após uma campanha liderada por intelectuais de peso, José Lins do Rego, Antônio Olinto, Edmundo Lyz, Prudente de Morais Neto e outros, a película foi liberada, após o corte de uma determinada cena, completamente inocente nos dias de hoje, com a silhueta de Virgínia Lane, de pé sobre uma mesa, refletida na parede.

Acontece que era mesmo o fim. Dessa forma, não obstante existir até hoje, os estúdios Cinédia não agüentaram o rojão, terminando, em 1949 (e em parte de 1950), como palco de produções cinematográficas sistemáticas e diversas, essa admirável aventura do cinema nacional, fim de um sonho que durara por mais de 20 anos.

UM CINEMA SEM FUTURO?

2008-10-20T03:23:00.000-07:00

Não muito tempo depois, saber-se-ia que o panorama da produção cinematográfica brasileira nunca mais seria o mesmo; logo nos primeiros anos dessa década, o cinema brasileiro entraria em uma fase de criatividade e qualidade de suas produções que rivalizaria com as melhores do mundo. Mas, ao se analisar os filmes nacionais lançados no país nesse ano de 1960, qualquer pessoa com nível de cultura mediano ficaria absolutamente desanimado. Dos 29 filmes (ou 30 conforme a fonte) produzidos e/ou exibidos, a maioria era constituída por produções toscas, de péssimo gosto, tolamente concebidas, quase todas recebidas com indiferença pelo grande público. Por mais incrível que pareça, mesmo estando à beira da extinção, certas chanchadas, pouquíssimas na realidade, ainda foram os melhores lançamentos do ano, graças, basicamente, ao talento de alguns de nossos atores e diretores. Foi um ano para se esquecer, cinematograficamente falando.

Vinda dos Estúdios Atlântida, Dois Ladrões é um exemplo do que se disse acima. Uma chanchada despretensiosa que, graças ao talento de seus atores, principalmente de Oscarito e Eva Todor, e da eficiente direção de Carlos Manga, fez bastante sucesso de público e, atualmente, é considerada pela crítica e historiadores do cinema nacional uma dos melhores exemplos do gênero.

Baseado em um argumento de Cajado Filho, o filme conta as aventuras de um ladrão educado e sofisticado, conhecido por "Mão Leve" (Cyll Farney) e seu simplório e ingênuo parceiro Jonjoca (Oscarito). A dupla ganha a simpatia do público por roubarem dos ricos para dar para os pobres, ou seja, tira de quem tem para dar a quem não tem. Acontece que o honesto Roberto (Sérgio Roberto, que faria somente mais um filme, Aí Vem a Alegria, também de 1960, dirigido por Cajado Filho), irmão de "Mão Leve", quer estudar no exterior, um sonho impossível pela falta de dinheiro. Querendo ajudá-lo a concretizar seu sonho, sem que ele saiba da origem da grana o simpático ladrão planeja um grande golpe com a ajuda de Jonjoca, relacionado com a milionária Madame Gaby (Eva Todor). Numa das cenas consideradas antológicas do cinema brasileiro, onde Oscarito demonstra seu talento superior, Jonjoca, que tenta se passar por Madame Gaby, ao se encontrar com ela em um corredor, faz uma perfeita imitação dela, captando, minuciosamente, alguns pequenos detalhes dos trejeitos da atriz, o que transforma a cena num show de humor, irreverência e talento. É realmente uma cena hilária.

E como toda chanchada que se preze, há ainda o encrenqueiro vilão da história, Gregório (Jaime Filho), com contas a acertar com "Mão Leve", ensejando muitas correrias, sopapos e pontapés, a impagável presença de Ema D’Ávila no papel de Madame Fortuna, e a participação no elenco de Jaime Costa (Panariço), Irma Alvarez no papel da mocinha Leninha, mais Augusto Valentim, Fernando Cruz, Lenita Inteligente, Átila Iório e outros mais. Mesmo sem números carnavalescos, foi um dos maiores sucessos populares do ano.

Irma Alvarez e Cyll Farney em cena do filme Dois Ladrões.

Oscarito, Eva Todor e Ema d'Ávila em cena do filme Dois Ladrões.

Oscarito e Eva Todor na mais famosa seqüência de Os Dois Ladrões.

Também da Atlântida, aproveitando a notoriedade alcançada pelo rinoceronte Cacareco, Carlos Manga dirigiu o fraquíssimo Duas Histórias (Cacareco Vem Aí), baseado em um argumento de Chico Anysio, roteirizado pelo próprio Manga (auxiliado por Sanin Cherques), que fez pouco sucesso de público, demonstrando o esgotamento do gênero. Cacareco (Oscarito) trabalha na tinturaria "Brasilha", do português Rebuçado Duarte de Moraes, o típico português das anedotas que o brasileiro criou. Como de costume em várias chanchadas brasileiras, que sempre teve a obsessão de mostrar a chegada de migrantes à cidade grande, uma ambiciosa sobrinha de Cacareco, Maria do Socorro (Sônia Mamede), vem do norte disposta a vencer na carreira artística no Rio de Janeiro. Depois de muitas estrepolias, com a ajuda do tio Cacareco, Maria do Socorro consegue o patrocínio da tinturaria "Brasilha" e se transforma em grande estrela da televisão. Completam o elenco o galã Cyll Farney, Odete Lara (pronta para se transformar na grande estrela do cinema nacional), Chico Anysio, Grijó Sobrinho, Jayme Moreira Filho e outros.

Como estava acontecendo com a Rádio Nacional e com seus artistas, os novos tempos não dariam sobrevida à Atlântida, que lançaria somente mais quatro filmes: Quanto Mais Samba Melhor (1960, dirigido por Carlos Manga), Entre Mulheres e Espiões (1961, também dirigido por Manga), As Sete Evas (1961, último filme dirigido por Carlos Manga para os estúdios) e Os Apavorados (1962, direção de Ismar Porto). Posteriormente, em 1975, seria lançado Assim Era a Atlântida, produção inspirada no espetacular sucesso, lançado pouco antes pelos estúdios MGM, Era uma Vez em Hollywood. Dessa forma, no formato de uma aventura saudosista, terminava, na década de 60, inexoravelmente, uma das mais brilhantes trajetórias de um estúdio do cinema nacional. A Atlântida chegava ao fim.

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As outras chanchadas desse ano de 1960 que ainda poderiam ser citadas, algumas quase indigentes, não vieram dos estúdios Atlântida, mas, sim, de outras companhias (por exemplo, Marido de Mulher Boa, da produtora Herbert Richers Produções Cinematográficas, filme dirigido por J. B. Tanko, contando, no elenco com Zé Trindade, Renata Fronzi, Zeloni, Wilson Grey, Luely Figueiró e outros. Sylvia Telles participa desse filme em número musical cantando Se é Tarde, me Perdoa, de Carlos Lyra e Ronaldo Bôscolli), mais precisamente da Cinedistri, de Oswaldo Massaini, que imitava em tudo as produções da famosa rival, a essa altura, como visto, em franca decadência: Dona Violante Miranda, Samba em Brasília, A Viúva Valentina e Virou Bagunça.

Zé Trindade e Renata Fronzi em cena do filme Marido de Mulher Boa.

Lilian Fernandes em cena do filme Marido de Mulher Boa.

Lúcio Alves em cena do filme Marido de Mulher Boa.

Sylvia Telles interpretando Se é Tarde, me Perdoa.

Mais um veículo para as estrepolias de Dercy Gonçalves, Dona Violante Miranda, baseado na peça homônima de Abílio Pereira de Almeida, escrita sob encomenda para a comediante em 1958, conta a história de dona Violante (Dercy Gonçalves), proprietária de um bordel onde uma prostituta, ao morrer, deixa uma filha órfã, Josette (Odete Lara), aos seus cuidados, criada como neta pela cafetina com todos os mimos e caprichos. Ao mesmo tempo em que fecha seu bordel, dona Violante envia a garota para estudar na Europa, onde é educada como uma garota de posses. Ao voltar para o Brasil, Josette, com ares de "socialite", se apaixona pelo neto de um decadente fazendeiro que, no desenvolver da história, termina por lhe revelar o passado de sua falsa avó. Não agüentando o desprezo da suposta neta, Violante se vinga, desmascarando o coronel, revelando ser ele um antigo e assíduo freqüentador do bordel. No final, revoltada com os falsos padrões morais da aristocracia, Dona Violante Miranda volta às suas antigas atividades, abrindo, dessa feita, uma casa de prostituição de alto luxo.

Como quase todas as peças de Abílio, Dona Violante Miranda é uma comédia com veleidades de crítica social, dessa feita uma ex-prostituta que ascende socialmente em oposição a uma família da burguesia rural decadente. Foi sucesso em todo o país.

Samba em Brasília, uma comédia musical carnavalesca dirigida por Watson Macedo, baseada em um argumento e roteiro desenvolvidos pelo próprio diretor, auxiliado por Ismar Porto, narra as aventuras de Tereza, papel interpretado por Eliana Macedo (1926 - 1990), porta-bandeira da escola de samba do morro em que vive, que abomina sua vida pobre (sintetizada em uma fala do filme em que desabafa: "Grande vida! Subindo e descendo morro com lata d’água na cabeça e jogando no bicho, na esperança de ficar rico."), sonhando com a vida no asfalto e em pertencer ao mundo da alta sociedade, casando-se com um homem rico. Sua oportunidade aparece quando consegue substituir uma parente que trabalhava na mansão de Eugênia (Heloísa Helena), iniciando um romance com seu filho Ricardo (Geraldo Mayer), em detrimento de Valdo, papel de Herval Rossano (1935 - 2007), a quem ama, mas que é pobre.

Uma seqüência bem divertida no filme tem como protagonistas Eliana e Heloísa Helena (1917 - 1999): após ser despedida por ter colocado muita pimenta nos salgadinhos servidos aos convidados de uma recepção, Tereza despreza o gesto da patroa, dizendo-lhe que seu santo era forte. Eugênia, alucinada para entrar na lista das dez mais elegantes do colunista social Dagô (Paulo Celestino), deduz que Tereza é chegada a uma macumba e a contrata para fazer alguns "despachos" para alcançar seu intento. E, para sua surpresa, ela realmente consegue realizar seus sonhos. Como em, praticamente, em todas as chanchadas, Tereza, no final da história, volta aos braços do namorado pobre, chegando à conclusão de que sua verdadeira felicidade está no morro e nos braços de Valdo.

O filme é recheado de números musicais: Samba em Brasília (Bené Nunes/Marino Pinto), com Eliana Macedo e Bené Nunes; Tudo é Ilusão (Haníbal da Silva/Éden Silva/Tufic Lauar), com Odete Amaral; Brasil, Fonte das Artes (Djalma Costa/Éden Silva/Nilo Moreira), samba-enredo do Salgueiro de 1956 (que entrou na história da música popular brasileira por ter sido o primeiro samba-enredo a ser gravado comercialmente por uma cantora, Emilinha Borba), interpretado pela escola de samba do morro onde se desenvolve a história; Novo Dia (Éden Silva/Djalma Costa/Oldemar Magalhães), também com a escola de samba do morro; Fechei a Porta (Sebastião Motta/Francisco Santos), sucesso do carnaval desse ano na voz de Jamelão, no filme interpretado por Herval Rossano acompanhado pela escola de samba do morro; Favela Amarela (Jota Júnior/Oldemar Magalhães), com Aracy Costa, outro grande sucesso no carnaval desse ano. Completa o quadro musical uma composição mais que extemporânea, Não Quero Mais Amar, versão de Ramalho Neto para um grande sucesso do cantor norte-americano Johnny Ray - I'll Never Fall in Love Again -, interpretada por "El Broto" Francisco Carlos (1928 - 2003).

Paulinho da Viola e Maria Bethânia interpretando Tudo é Ilusão e Pecadora.

Glória ao Samba interpretando Brasil, Fonte das Artes.

Beth Carvalho interpretando Fechei a Porta.

Johnny Ray interpretando I'll Never Fall in Love Again.

Elvis Presley interpretando I'll Never Fall in Love Again.

Dercy Gonçalves estava mesmo em todas (só nesse ano de 1960, ela participaria de quatro filmes). Em mais uma produção de Oswaldo Massaini (filmada, incrivelmente, nos estúdios da Atlântida), dirigido por Eurides Ramos, também autor do argumento e do roteiro, a atriz seria a protagonista de A Viúva Valentina, interpretando a viúva do título que trabalha duro como costureira. Sobrevivendo às custas de seu trabalho. Seu único bem, herança do falecido marido, era um lote de ações sem valor de uma empresa de São Paulo que, depois de um período de dificuldades, se torna uma grande empresa, razão pela qual suas ações se valorizam violentamente, podendo, inclusive, dar a maioria a quem as conseguissem. Como sói, aparecem dois capitalistas dispostos a tudo para obterem as 10 ações, o doutor Saraiva (Jayme Costa) e Figueiredo (Humberto Catalano). A luta dos dois para porem as mãos as mãos nas ações e, com isso, dominarem a empresa é intensa, ambos chegando a um verdadeiro leilão em busca de seu intento. Nos finalmentes, um dos concorrentes, viúvo, leva a melhor, ao conquistar o coração da viúva acionista.

Diferentemente de outras chanchadas, A Viúva Valentina conta com somente dois números musicais, És Tudo Para Mim, composição de Nelson Gonçalves e Pedro Moacyr, interpretada por Nelson Gonçalves, e Ai, Diana (Costa Neto), apresentado pelo Trio Irakitan; o elenco ainda traz o galã das produções de Massaini, Herval Rossano (futuro todo poderoso diretor de novelas da Rede Globo e de outras emissoras), Francisco Dantas, Mara di Carlo, Wilson Grey, Duarte de Moraes (mais uma vez na pele de um português), Alfredo Viviani e outros mais.

Nelson Gonçalves interpretando És Tudo Para Mim.

Outro sucesso de Dercy nesse ano de 1959 foi Entrei de Gaiato (direção de J. B. Tanko, com Zé Trindade, Costinha, Roberto Duval, Evelyn Rios e outros completando no elenco. O enredo é o seguinte: Com o carnaval carioca fervendo e para proveitar a agitação, um grupo de engraçados mestres do conto do vigário resolve aplicar um golpe milionário num hotel de luxo. Mas eles não contavam com a presença de uma falsa ricaça e sua bela sobrinha e uma dupla de ladrões internacionais de jóias que está sendo investigada pela polícia. Está formada a confusão.

Dercy Gonçalves em cena do filme Entrei de Gaiato.

Dercy Gonçalves interpreta Castigo, em cena do filme Entrei de Gaiato.

Zé Trindade, Costinha e Chico Anysio em cena do filme Entrei de Gaiato.

Trio Irakitan interpretando Caixinha de Bem Parecer no filme Entrei de Gaiato.

***

Em meados da década de 50, um conjunto vocal e instrumental vindo do nordeste, da cidade de Natal, apareceu com força no cenário musical brasileiro, inclusive com diversas incursões no cinema, seu sucesso, inclusive, ultrapassando os anos seguintes, existindo, com outros integrantes, até os dias de hoje. O Trio Irakitan.

Formado, inicialmente, por Edinho (1930-1965) no violão, Paulo Gilvan (1930) no afoxé e João da Costa Neto, o Joãozinho no tantã (também nascido em 1930), o trio, originalmente com o nome de Trio Muirakitan, iniciou sua carreira artística, no início da década de 50, ainda no nordeste, apresentando-se em emissoras da cidade de Recife, mais precisamente na Rádio Clube de Recife e na Rádio Jornal do Comércio.

Pouco tempo depois de formado, o trio saiu em excursão por diversos países da América Latina e do Caribe, perambulando pela região durante três anos, permanecendo, só no México, cerca de um ano, onde se apresentavam em boates e até na televisão. Nesse último país chegaram a participar, em 1953, de um famoso filme – Llevame em tus Brazos – dirigido por Júlio Bracho, com fotografia do legendário Gabriel Figueiroa, e que conta com um poderoso elenco, com destaque para Ninón Sevilla, Andrés Soler, Carlos López Montezuma Armando Silvestre, Andrea Palma e Rodoffo Acosta.

Trio Irakitan interpretando Vamos Chamar o Vento (Dorival Caymmi) no filme Llevame en tus Brazos.

Com a experiência adquirida nesses anos, em 1954, voltam ao Brasil, mudando-se para o Rio de Janeiro, logo sendo contratados para integrar o elenco da Rádio Nacional. Com a notoriedade alcançada em suas apresentações na poderosa emissora, pouco demorou para serem contratados pelo selo Odeon, lançando, nesse mesmo ano, seu primeiro 78 rpm, contendo, no lado A, o bolero de sucesso mundial Contigo na Distância, em versão do próprio Paulo Gilvan, e, no lado B, o baião Sina de Cangaceiro, de autoria de Joãozinho e de seu sobrinho Paulo Gutemberg. Gravam, em seguida, outro 78 rpm, dessa feita trazendo o bolero Sinceridade, de G. Perez, versão de Ghiaroni, e a toada Sodade Doida, de Hianto de Almeida e Francisco Anísio. Ainda nesse mesmo ano, a gravadora lança seu primeiro Long Playing intitulado Vozes e Ritmos do Trio Irakitan, com destaque para a gravação de Valsa de uma Cidade, a singela homenagem de Antônio Maria e Ismael Neto à cidade do Rio de Janeiro:

"Vento do mar e o meu rosto no sol a queimar, queimar
Rio de Janeiro, gosto de você
Gosto de quem gosta
Deste céu, deste mar, desta gente feliz
Bem que eu quis escrever um poema de amor
E o amor estava em tudo o que vi
Em tudo quanto eu amei
E no poema que eu fiz
Tinha alguém mais feliz que eu
O meu amor
Que não me quis."
.
Rita Lee interpretando Valsa de uma Cidade.

Los Tres Ases interpretando Contigo en la Distancia.

No ano seguinte, em 1955, o grupo lança uma infinidade de músicas, o samba-canção Segredo (Herivelto Martins/Marino Pinto, o bolero Te Sigo Esperando (Manolo Palos), os sambas Ave Maria no Morro (Herivelto Martins) e Os Quindis de Iaiá (Ary Barroso), as canções natalinas Feliz Natal... Boas Festas (Irani de Oliveira/Lourival Faissal) e O Natal Chegou (Costa Neto/Edson França), ao mesmo tempo em que também lançam seu segundo Long Playing – Três Vozes Que Encantam – quase todo com músicas já lançadas em 78 rpm, como as já mencionadas Ave Maria no Morro, Sina de Cangaceiro, Te Sigo Esperando e Segredo. Data também desse ano a participação do trio no filme-homenagem da Atlântida (em co-produção com a Argentina) Chico Viola Não Morreu, dirigido pelo diretor argentino Román Vañoly Barreto, que contou ainda com a participação de Cyll Farney no papel principal, secundado por Inalda de Carvalho, Wilza Carla, Edson França, Wilson Grey, Heloísa Helena, Eva Wilma e grande elenco. Nesse filme, o trio interpreta a canção O Mar, de autoria de Dorival Caymmi.

Javier Solis interpretando Te Sigo Esperando.

Ângela Maria e Agnaldo Rayol interpretando Ave Maria no Morro.

Casuarina interpretando Os Quindins de Iaiá.

Dorival Caymmi interpretando O Mar.

.
A partir desse ano, o trio participaria de dezenas de filmes dentre os quais Rio Fantasia (1957), de Watson Macedo, em que divide o papel principal com a estrelíssima Eliana e interpreta as músicas Assim é Meu Rio, Hino ao Músico, B com A, Oh! Lia, Andorinha Preta e Os Quindins de Iaiá; Absolutamente Certo (1957), de Anselmo Duarte, interpretando Agora é Cinza (Bide/Marçal) e o baião Zezé (Humberto Teixeira/Caribé da Rocha); Alegria de Viver (1958), nova comédia musical de Watson Macedo protagonizada, uma vez mais, por Eliana, no qual o trio canta outro baião – O Baião do Negrinho -, composição de Ayrton Ramalho; Quem Roubou Meu samba (1959), dirigido por José Carlos Burle (secundado por Hélio Barroso), elenco encabeçado por Ankito, Maria Vidal e Nancy Wanderley, onde os rapazes do trio interpretam Eu Vim Morar no Rio, seu sucesso de autoria de Hianto de Almeida e Chico Anísio; Minervina Vem Ai (1959), direção de Eurides Ramos, em que cantam a música Adeus América (Haroldo Barbosa/Geraldo Jacques) e, por fim, Garota Enxuta, também de 1959, direção de J. B. Tanko, interpretando, dentre outras, Touradas em Madrid, de João de Barro e Alberto Ribeiro.

Dercy Gonçalves e Norma Blum em cena do filme Minervina Vem Aí.

Osvaldo do Violão interpretando Hino ao Músico.

Trio Irakitan interpretando Eu Vim Morar no Rio.

Trio Irakitan interpretando Adeus, América.

Trio Irakitan interpretando Touradas em Madrid.

Nesse ano de 1960, o trio participaria de cinco filmes: A Viúva Valentina, cantando, conforme acima mencionado, a música Ai, Diana (Costa Neto); Entrei de Gaiato, direção de J. B. Tanko, interpretando Caixinha de Bom Parecer; Pistoleiro Bossa Nova, com direção de Victor Lima, em que cantam a música A Lapa de Outrora, além do anteriormente comentado filme Tudo Legal, também dirigido por Victor Lima.

O último filme em que o Trio Irakitan participaria nesse ano de 1960, dessa feita também como protagonista, foi Virou Bagunça, com direção de Watson Macedo, argumento, roteiro e diálogos a cargo do próprio Watson, secundado por Ismar Porto, que conta a história de três cantores (o próprio Trio Irakitan) – o Trio Gerimum – acidentalmente tomados por deputados nordestinos quando chegam a uma estação de televisão. Assim que o equívoco é resolvido, uma vedete (Nena Napoli), louca por publicidade, os contrata como divulgadores de sua estréia teatral, mas, na realidade, pensando em ser vítima de um falso seqüestro. Como todas as chanchadas que se prezam, as confusões se avolumam com a chegada de um general maluco, um grupo de revolucionários barbudos e um cangaceiro. Também, como sempre, o final é feliz. Completam o elenco a excelente comediante Nádia Maria, Zezé Macedo, Mozael Silveira, Paulo Celestino, Abelardo Barbosa, o Chacrinha, o futuro astro principal do clássico do cinema novo Vidas Secas, Átila Iório, Roberto Duval e grande elenco.

Virou Bagunça é outra chanchada recheada de números musicais, destacando-se Eu Vim Morar no Rio (Hianto de Almeida e Chico Anísio), com Carlos Gonzaga; Na Hora de Sambar (Miguel Gustavo), interpretado por Francisco Carlos; Brasilina (Ayres Viana e Murilo Vieira), com Antônio Carlos; Canção da Aranha (Edson França e Costa Netto), novamente com Antônio Carlos; Não Há (Leduvy de Pina, Almeidinha e Zilda do Zé), cantado Linda Batista, Pensar, Professor (José Costa e Fernandinho), apresentado por Emilinha Borba, e muitas outras, inclusive uma música de temática árabe – Ya Mustafá –, uma invenção de Bob Azzam e Eddie Barclay, que se tornou um dos grandes sucessos do ano com o próprio Bob Azzam, recentemente resgatada para o mundo "dance".

Bob Azzam interpretando Ya Mustafá.

E, por mais incrível que possa parecer, principalmente para um trio que ficou para a posteridade como especialista em bolero, o Trio Irakitan participaria, em 20 de maio desse ano de 1960, do show de Bossa Nova O amor, o Sorriso e a Flor, acontecido no Teatro de Arena da Faculdade de Arquitetura do Rio de Janeiro, ao lado da fina flor do novo ritmo da pequena-burguesia carioca, Tom Jobim, Vinícius de Moraes, João Gilberto, Johnny Alf, Dorival Caymmi, Nara Leão, Roberto Menescal, Ronaldo Bôscoli, Baden Powell, e outros. Durma-se com um barulho desses.

***

Fora do circuito das chanchadas, o comediante caipira paulista Mazzaropi continuava sua saga de sucessos, principalmente no interior do país, dirigindo e interpretando, nesse ano, duas comédias As Aventuras de Pedro Malazartes e Zé do Periquito, suas primeiras experiências como diretor de suas próprias películas.

Incorporando as aventuras do conhecido personagem Pedro Malazartes, do folclore de diversos países, Mazzaropi, mais uma vez, interpreta um caipira que de bobo não tem nada. O filme conta a história de Pedro (Mazzaropi) que, ao chegar a sua casa na fazenda, recebe a notícia de que seu pai havia falecido. Bastante humilde e inocente, Pedro termina por ficar sem nada da herança deixada pelo pai, já que um deles fica com todo o gado e o dinheiro, enquanto o outro toma posse da fazenda. Cabisbaixo e sem reclamar, Pedro deixa a fazenda levando somente um ganso, um tacho velho e umas poucas roupas e sai mundo à fora. Pelo caminho, por sua simplicidade, vai encontrando algumas crianças abandonadas e começa a protegê-las. Para Isso, se vale de pequenos expedientes de esperteza para a sobrevivência do grupo. Dessa forma, consegue vender seu tacho a dinheiro, argumentando que ele cozinha sozinho. Não demora e ele também vende o ganso dizendo que ele tem poderes mágicos. Quase sempre por causa da cobiça alheia, Pedro percebe que as pessoas são facilmente enganadas e, assim, ele consegue um carro convencendo sua proprietária a ficar segurando um chapéu no chão onde, supostamente, está preso um pássaro pra lá de raro. Com o desenvolver da história, a lista de pessoas enganadas aumenta e ele se vê metido numa série de confusões tentando fugir de seus vários perseguidores.

Baseado em argumento de Galileu Garcia e roteirizado por Ismar Porto (que auxiliou Mazzaropi, ensinando-lhe os macetes da direção) e Marcos Cézar, As Aventuras de Pedro Malazartes traz, no elenco, sua eterna parceira Geny Prado, integrando um time onde ainda aparecem Genésio Arruda, Dorinha Duval, Benedito Liendo, Nena Viana, Alvim Fernandes, Kleber Afonso, Noêmia Marcondes Oswaldo de Barros, João Batista de Souza, Péricles de Almeida, Walter Fernandes e grande elenco.

Como praticamente todos os filmes de Mazzaropi, Malazartes traz números musicais; Lana Bittencourt canta Além, de Sidney Morais e Edson Borges; o Conjunto Farroupilha interpreta duas canções, Meu Cabelo e Maçarico, ambas de Paixão Corte e Barbosa Lessa; Cláudio de Barros é o intérprete de Sem Destino, de sua própria autoria em parceria com Jucata; e, como sempre, Mazzaropi apresenta duas músicas, Coração Amigo e Meu Destino, as duas da dupla de compositores Elpídio dos Santos e Zé do Rancho.

Lana Bittencourt interpretando Além.

Trio Farroupilha interpretando Meu Cabelo e Maçarico.

Cena do filme As Aventuras de Pedro Malazartes.

Zé do Periquito não foge à regra de praticamente todos os filmes de Mazzaropi, em que interpreta personagens simples, inocentes e tímidos, mas, que, por esperteza, conquistam o impossível. Baseado em argumento do próprio Mazzaropi, roteirizado por Ismar Porto (que novamente co-dirigiu a película com o astro Mazzaropi), o filme conta a história de Zé do Periquito (Mazzaropi), um tímido jardineiro de um colégio freqüentado quase que exclusivamente por filhos de famílias abastadas, que se apaixona por uma linda jovem (Nena Viana) e que, inocentemente, é levado a acreditar pelos alunos do colégio (dentre eles, outro futuro poderoso da Globo, Augusto César Vanucci), que seu amor é correspondido. Após diversas situações cômicas, a sorte de Zé será tirada em um realejo. Q que a sorte revelaria ao nosso sonhador herói?

Completa o elenco Geny Prado, Roberto Duval, Carlos Garcia, Amélia Bittencourt, Maria Helena dias, o famoso homem de teatro Eugênio Kusnet, Genésio Arruda Marlene Rocha, Jacira Sampaio e outros. Os números musicais ficaram a cargo dos ídolos da juventude, Celly Campelo, Tony Campelo e Jorge Friedman, secundados por Paulo Molin e Carlão, que interpretam Gostoso Mesmo é Namorar, de Heitor Carrilo; de Hebe Camargo e Agnaldo Rayol que interpretam, em duo, a canção Passe a Viver, também de Heitor Carrilo; e, como não poderia deixar de ser, de Mazzaropi, interpretando Saudade me Deixa, de autoria de Bolinha, e Jóia do Sertão, letra e música de Elpídio dos Santos.

Celly Campelo, Tony Campelo e Jorge Freedman interpretando Gostoso Mesmo é Namorar.

***

Deixando o mundo das comédias caipiras de Mazzaropi e as chanchadas em sua agonia, praticamente inexistiu um filme de reais qualidades, a grande maioria, produções podres e mal acabadas, como foi o caso de Os Bandeirantes (um filme dirigido pelo laureado em Cannes, Marcel Camus, aproveitando, inclusive, alguns atores de Orfeu Negro); Conceição, um policial produzido e dirigido por Hélio Souto que conta a história de um casal de noivos que descobre na represa de Santo Amaro o cadáver de uma mulher morta, supostamente, por estrangulamento. O inspetor Castro, encarregado do caso, e seu auxiliar, Pedro, logo acham no bolso da vítima um número de telefone com o nome Conceição. Seguindo esta pista, os policiais descobrem que ela, na realidade, não se chamava Conceição, mas Dalva e cantava em uma boate. Castro começa a contactar diversas pessoas que cruzaram a vida de Dalva, dentre eles o Dr. Junqueira e as amigas de Dalva, Geórgia, uma viciada em drogas, e Lili, a qual revela que conheceu o cantor Lúcio, amante de Dalva e noivo de de uma garota de nome Miriam. Quando Lúcio canta "Conceição", Castro deduz que o nome descoberto junto com o telefone era apenas uma senha que levava ao nome do Dr. Junqueira. Quando do interrogatório de Lúcio, ele reveka apenas de um passeio a uma represa, após o qual Dalva o abandona para seguir um homem desconhecido para ele. Ao mesmo tempo, Lili começa a se interessar pelo inspetor Castro. Entra em cena o playboy Abelardo, filho do Dr. Junqueira, que, junto com o amigo Bebeto e outros rapazes, entram na boate. Abelardo acaba por provocar uma luta com Castro ao agredir Lili. Enquanto isso, na represa, a única testemunha, o encarregado dos barcos, é assassinado. Castro começa a investigar os barcos, não demorando a descobrir um com o nome de "Conceição", com contrabando no interior. Pedro, por meio de uma fotografia de Dalva, descobre que ela já conhecia Abelardo. Com essa nova pista Castro interroga o Dr. Junqueira que defende o filho. Mas, o assassino, no entender de Castro, já estava descoberto. Inicia-se, então, a perseguição de Abelardo que escapa pela Via Anchieta até a Ilha Porchat, despencando, porém, em uma ribanceira, morrendo instantaneamente. No desenrolar da película, Castro, entretanto, descobre que Abelardo não matara Dalva. Os criminosos eram, na realidade o Dr. Junqueira, mentor intelectual, e Bebeto, o executante. O motivo: Dalva descobrira a verdadeira atividade do Doutor Junqueira, sendo uma ameaça a seus planos. O filme termina com Castro e Lili beijando-se na volta para São Paulo.

O elenco de peso contava com Norma Bengell, Hélio Souto, Mário Benvenutti, a espetacular Anick Malvil, Miriam Roni e até Walter Avancini; Outros que podem ser citados são Eles Não Voltaram, (um deprimente filme sobre os pracinhas brasileiros que lutaram na Itália), com direção de Wilson Silva e contando no elenco com Augusto César Vanucci, Paulo Goulart, Dary Reis, Milton Vilar e Agildo Ribeiro, e A Primeira Missa, uma canhestra produção dirigida pelo lendário Lima Barreto, que, mesmo assim, foi selecionada para representar o Brasil no Festival de Cannes, trazendo no elenco o garoto José Mariano Filho, Margarida Cardoso, Dionísio Azevedo, Ferreira Leite e outros atores obscuros.

Mesmo não sendo um filme de reais qualidades, o único filme de destaque do ano foi A Morte Comanda o Cangaço, produção que seguia as trilhas abertas pelo sucesso de O Cangaceiro (1953), de Lima Barreto, importante, historicamente, porquanto foi a primeira tentativa, à qual se seguiria uma infinidade de outras ao longo dos próximos anos, de retomar a saga do cangaço.

Produzido pela estrela Aurora Duarte, com direção e montagem de Carlos Coimbra, a partir de um argumento de Walter Francisco Mota, diálogos de Francisco P. Silva, música de Henrique Simoneti e contando no elenco com Alberto Ruschel, Milton Ribeiro (os dois principais atores de O Cangaceiro), Aurora Duarte como a heroína, Ruth de Souza, Líris Castelani, Edson Franca, Marlene França e grande elenco (dentre eles, o cangaceiro Volta Seca), A Morte Comanda o Cangaço, com locações na cidade de Quixadá, no Ceará, filmado com impressionante realismo, narra a história de um Nordeste sem lei, assolado por bandos de cangaceiros. O sanguinário capitão Silvério (Milton Ribeiro), um dos líderes desses bandos, e seus cabras cercam a fazenda de Raimundo Vieira (Alberto Ruschel), destroem-na, além de assassinar a mãe do rapaz, fincando, além disso, a cabeça da matriarca em pau fincado no chão. Raimundo sobrevive ao massacre, jurando vingar a destruição de sua propriedade e a morte da mãe. Para isso, ele consegue juntar em torno de si pessoas dispostas a enfrentar os cangaceiros, fundando, uma volante extra-oficial (que hoje seria chamada de milícia) com o intuito de livrar o sertão nordestino da praga do cangaço.

Aurora Duarte é o grande nome por detrás do filme; além de ser a personagem feminina principal, ela o produziu, o que lhe deve ter causado razoável receio, já que era uma produção de peso, tendo ela investido grande soma de dinheiro no projeto.

Natural de Olinda, Pernambuco (17.04.1933), Aurora, ainda muito jovem começa a atuar em programas de rádio em sua cidade natal. Com apenas 18 anos, já integrante da Associação de Cinegrafistas Amadores do Brasil, realiza um documentário chamado A Sereia e o Mar, onde, além de dirigir, ela atua como a atriz principal. Sua grande chance veio quando Alberto Cavalcanti, em história já nossa conhecida, chegando a Recife, a escolhe para fazer parte do elenco de seu filme O Canto do Mar, como a protagonista. A repercussão do filme lhe foi benéfica, mudando-se ela para o Rio de Janeiro, logo se mudando para São Paulo, onde muita coisa estava acontecendo em termos de cinema. Sua impressionante beleza morena chama a atenção de Gianni Pons, que a convida para o papel principal de Os Três Garimpeiros (1954), filme produzido e dirigido por ele, compondo um elenco que também trazia Hélio Souto, Alberto Ruschel (seu primeiro filme depois de O Cangaceiro), Milton Ribeiro, Adoniran Barbosa e outros mais.

Em 1955, ela tem sua primeira experiência com Carlos Coimbra, ao estrelar seu filme Armas da Vingança, em que atua, novamente, ao lado do galã Hélio Souto, produção que também trazia no elenco Luigi Picchi, Vera Nunes e José Policema. Entre 1958 e 1959, Aurora esteve envolvida com um projeto de Walter Hugo Khoury – Fronteiras do Inferno –, mais uma vez atuando ao lado de Hélio Souto e Luigi Picchi, filme que também trazia no elenco Lola Brah, Ruth de Souza, o futuro escritor José Mauro de Vasconcelos, Bárbara Fazio, dentre outros. Paralelamente a esse último filme, Aurora volta a filmar com Carlos Coimbra, dessa feita participando do filme Crepúsculo de Ódios (uma incursão de Inocêncio Mazzula na produção de filmes que, pelo fracasso, nunca mais seria repetida), tendo como galãs Carlos Zara (em seu primeiro papel principal) e, novamente, Luigi Picchi.

As filmagens de A Morte Comanda o Cangaço não foram fáceis; Marlene França que, além de atuar em pequeno papel, trabalhou com a equipe técnica, assim se referiu sobre a produção:

"Eu me lembro muito do Coimbra, tenho a maior admiração por ele. ‘A Morte Comanda o Cangaço’ foi um filme difícil de fazer, foi na transição do preto e branco para o colorido. Fomos filmar no Quixadá, no Ceará. Nesse filme eu fui assistente de direção e continuísta. Eu cometi erros enormes, a gente não via o copião na hora, só vinte dias depois, quando ele vinha do laboratório Rex. Foi aí que eu descobri o tamanho da minha imperfeição e que eu não sabia nada. Tem uma cena em que o Milton Ribeiro, que fazia o Lampião, entra em uma cena com uma camisa azul e volta com uma amarela. Meu Deus, eu não sabia nada. Fora as broncas que eu devo ter recebido."
O sucesso de filme foi enorme, batendo recordes na bilheteria. Mesmo execrado pela crítica bem pensante (Coimbra chegou a ser chamado de "Ideólogo do Entorpecimento"), o filme, além de representar o Brasil no Festival de Berlim, teve o mérito de ter mostrado a vários produtores que o filão sobre o cangaço era cheio de possibilidades de lucro, o que permitiu um longo ciclo de filmes sobre o tema (mais de 20), cognominado pelo crítico Salvyano Cavalcanti de Paiva de "Nordestern".

A MPB DE LUTO: MORRE ASSIS VALENTE

2008-09-12T06:08:00.000-07:00

O Brasil inteiro foi surpreendido, nesse ano de 1958, com uma morte que empobreceu sobremaneira a música popular brasileira: Assis Valente, um dos mais originais compositores brasileiros de todos os tempos, morre tragicamente por suicídio, na cidade do Rio de Janeiro, misturando formicida com guaraná.

Para quem conhecia mais intimamente Assis Valente, sua morte, apesar de inesperada, não se constituiu exatamente em surpresa; já tentara o suicídio outras vezes, nos últimos tempos adotara um tom de lamentação e acusação contra tudo e todos, vivia angustiado e atormentado, sentindo-se injustiçado e abandonado pelos amigos. Pela sua trajetória de menino pobre, mulato e com pouca instrução formal até alcançar fama e sucesso para suas músicas nas vozes dos mais destacados cantores e cantoras brasileiras, cair novamente na pobreza e no esquecimento era, para ele, insuportável. O suicídio foi o fim para o que ele considerava uma vida desgraçada, onde a solidão sempre foi sua companheira constante. Sempre fora assim, desde quando, muito garoto, afastado que foi do convívio com seus pais e irmãos.

O nascimento de Assis Valente sempre foi cercado de lendas. Até a data de seu nascimento é incerta. Algumas fontes citam 19 de março de 1908; outras, 19 de março de 1911. Consoante seu próprio relato, ele teria nascido quando sua mãe fazia uma viagem de Bom Jardim à cidade de Patioba (Bahia) “em plena areia quente”. Só que ele também dizia ser natural de Campo da Pólvora, em Salvador, filho de José de Assis Valente e de Maria Esteves Valente, pais que ele efetivamente pouco conheceu, pois, aos seis anos de idade, teria sido seqüestrado por um tal de Laurindo e entregue para ser criado por uma família residente na cidade de Alagoinhas, a família Canna Brasil.

Assis Valente, mais tarde, diria que, mesmo criança, “trabalhava como um condenado”, sua patroa o tratando quase como um escravo. De qualquer maneira, o tempo dessa sofrida infância foi compensada, se assim se pode dizer, pelo fato de, à noite, ele estudar, o que era incomum para os pobres agregados daquela época. Ser alfabetizado muito o ajudaria no incerto futuro que o esperava.Ainda menino, sua família adotiva resolve se mudar para Salvador. Graças à intervenção do avô de criação, consegue ser levado junto para a capital do Estado, onde teria que se virar sozinho, porquanto logo os Canna Brasil partiram para o Rio de Janeiro. O sustento do garoto viria de uma vaga de lavador de frascos em uma farmácia do Hospital Santa Isabel.

Sua esperteza chamou a atenção de um padre – o padre Tolentino – que o levou para a cidade de Bonfim, empregando-o na farmácia do hospital da cidade, onde, devido à sua capacidade, sem demora seria promovido ao cargo de secretário da diretoria. Essa história, um tanto quanto fantasiosa (ele teria uns dez anos de idade a essa época), teve um amargo fim para o garoto: já lendo com desenvoltura, gostando de poesias, principalmente de Castro Alves e Guerra Junqueiro, um poeta inimigo da religião, foi chamado para declamar alguns versos em uma quermesse do hospital. Escolhe, sem se dar conta, de versos anticlericais, deixando indignados os presentes, imediatamente sendo destituído do cargo. Já sonhando com as luzes da ribalta, sem família ou amigos íntimos, enxergou a luz no fim do túnel com a chegada à cidade de um circo, o Circo Brasileiro.

Aproveitando o intervalo de uma apresentação circense, em determinado dia, ele pula para o picadeiro e começa a declamar os versos de uma poesia de sua autoria. Agradou tanto que foi agregado ao circo, atuando, a partir daí, como orador e comediante. Nesse circo, vagou pelo interior baiano por cerca de um ano, após o qual voltou para Salvador retomando seus estudos e, graças ao seu aprendizado de criança, trabalhando também como farmacêutico. À noite, fazia um curso de desenho no Liceu de Artes e Ofícios, ao mesmo tempo em que se profissionalizava como especialista em prótese dentária. Seu sonho dourado, entretanto, era outro. Era brilhar. Eram as luzes da cidade grande. Era, afinal, o Rio de Janeiro. Na primeira oportunidade, em meados de 1927, viajou para a capital Federal em busca da realização desses sonhos.

Para se sustentar na cidade, Assis imediatamente arranjou um emprego como protético e, já razoavelmente habilidoso nos desenhos, consegue vender alguns para as revistas Shimmy e Fon-Fon. Durante alguns anos, essa foi sua vida: durante o dia, especializava-se, cada vez mais, em sua profissão de especialista em próteses dentárias; de noite, tentava aperfeiçoar seus desenhos, tendo em mente uma futura profissão mais de acordo com sua personalidade: as artes.

Em meados de 1930, descobriu uma nova aptidão: compor músicas, influenciado pelo início do “boom” por que passava a música popular brasileira. Começam a surgir os nomes de Noel Rosa, Braguinha, Lamartine Babo, Brancura, Baiaco, Ismael Silva, Almirante, Orestes Barbosa, Cristóvão Alencar, Cartola, Custódio Mesquita, Nilton Bastos, Bide e muitos outros. Seu potencial logo foi reconhecido por um bamba do pedaço, o compositor Heitor dos Prazeres (1888 - 1966), que ficara impressionado com seu potencial. Introduzido no meio artístico pelo sambista, não demorou muito, em 1932, ano em que os grandes sucessos do ano foram Maringá (Joubert de Carvalho), na voz de Gastão Formenti, Andorinha Preta (Breno Ferreira), com o próprio autor, O Teu Cabelo Não Nega (Lamartine Babo) com Castro Barbosa, A.E.I.O.U (Noel Rosa e Lamartine Babo), interpretada pelo próprio Lamartine, Para me Livrar do Mal (Noel Rosa, Ismael Silva e Francisco Alves), com Francisco Alves, Noite Cheia de Estrelas (Cândido das Neves), grande sucesso de Vicente Celestino, e Pierrot (Paschoal Carlos Magno e Joubert de Carvalho), com Jorge Fernandes, a poderosa Aracy Cortes grava seu primeiro samba, Tem Francesa no Morro, com razoável sucesso, que, se não o torna famoso, traz-lhe reconhecimento entre os seus pares, o que era muito importante para um compositor iniciante, nos seus poucos vinte anos. E como confirmação de que seu nome começava a despertar a atenção de cantores famosos, nesse mesmo ano, Moreira da Silva também grava um 78 rpm com duas músicas de sua autoria, a marcha Pra Lá de Boa e o samba Oi, Maria.

Carlos Galhardo interpretando Maringá.

Raul Seixas e Vanderléa interpretando diversas marchinhas, inclusive O Teu Cabelo Não Nega.

Luciana Lazulli interpretando Para me Livrar do Mal.

Jessé interpretando Noite Cheia de Estrelas.

Evaldo Braga interpretando Noite Cheia de Estrelas.

Fábio Jorge interpretando Tem Francesa no Morro.

Nesse mesmo ano, Carmen Miranda entra na sua vida. Fascinado pela cantora, desenvolvendo uma paixão platônica que o acompanharia pelo resto de sua vida (ou até o momento em que rompem espetacularmente), termina por conhecê-la, torna-se seu amigo e consegue que a cantora grave, para o carnaval de 1933, um 78 rpm com dois sambas de sua autoria, de um lado, Etc. e, do outro, a famosa Good-Bye, Boy, um samba que entraria para a história da MPB por ser a primeira canção brasileira a criticar uma nascente mania de nossa pequena-burguesia, o excessivo emprego de expressões norte-americanas na nossa língua:

.

“'Good-bye, good-bye, boy'

Deixa a mania do inglês

É tão feio pra você

Moreno frajola

Que nunca freqüentou

As aulas da escola

‘Good-bye, good-bye, boy’

Antes que a vida se vá

Ensinaremos, cantando,

A todo mundo

B e Bé, B e Bi, B a Bá

Não é mais boa-noite

Nem bom-dia

Só se fala ‘good morning’

‘Good night’

Já se desprezou o lampião

De querosene

Lá no morro

Só se usa a luz da ‘Light’.”

Dani Montuleze interpretando Good bye, Boy.

No ano seguinte, 1933, acontece seu estouro em todo o Brasil; o novato Carlos Galhardo alcança o estrelato ao lançar Boas Festas, uma canção natalina de Assis (composta quando estava solitário no quarto onde morava, na Praia de Icaraí, em Niterói, em pleno Natal), que se tornou um fenômeno de popularidade, acabando por se transformar na canção natalina mais conhecida dos brasileiros e uma das poucas do gênero que atravessou os tempos:

.

“Anoiteceu!

O sino gemeu

E a gente ficou

Feliz a rezar.

.

Papai Noel!

Vê se você tem

A felicidade

Pra você me dar.

.

Eu pensei que todo mundo

Fosse filho de Papai Noel

Bem assim felicidade

Eu pensei que fosse uma

Brincadeira de papel.

Já faz tempo que pedi

Mas o meu Papai Noel não vem

Com certeza já morreu

Ou então felicidade

É brinquedo que não vem.”

Sexteto Piracicabano interpretando Boas Festas.

Meninas cantoras de Petrópolis interpretando Boas Festas.

1933 foi realmente um ano de glória para Assis Valente; Carmen Miranda grava duas marchas de sua autoria, Tão Grande, Tão Bobo e Lulu, além do samba Sapateia no Chão. Moreira da Silva lança os sambas Abre a Boca e Fecha os Olhos e Levante o Dedo e as marchas Olha à Direita e Cadê Você Meu Bem. Também, nesse ano, Aurora Miranda grava na Odeon o samba Sou da Comissão de Frente (parceria de Assis com Milton Amaral) e a marchinha Quando eu Queria Você. E para as festas juninas deste mesmo ano, compôs Cai, Cai, Balão, marcha gravada em dupla por Francisco Alves e Aurora Miranda, outro grande sucesso do compositor.

Também sua situação financeira começa a melhorar. Mulato sestroso, começa a se vestir com ternos caros e bem cortados, sempre com um largo sorriso no rosto e freqüentando os ambientes mais na moda. Mais tarde, sua única filha, Nara, diria que tudo que o pai ganhava no consultório, ele imediatamente comprava roupas novas para se apresentar de forma elegante nos palcos dos auditórios e shows. Ainda segundo ela, uma das características do pai ela seu bom gosto no trajar.

A partir desse ano, e até 1936, Carmen Miranda lança uma série de músicas de Assis Valente: Minha Embaixada Chegou e Té Já (1934), Recadinho de Papai Noel, Por Causa de Você, Ioiô, E Bateu-se a Chapa e Isso Não se Atura (1935), Ô e Fala, Meu Pandeiro (1936). Outros pesos pesados também, ao longo desses anos, gravam diversas músicas de sua autoria, Almirante (Deixe de Ser Palhaço e Pensei que Pudesse te Amar), Mário Reis (Este Samba Foi Feito Para Você e Mangueira), Francisco Alves (Olhando o Céu Todo Estrelado e Mais um Balão), Aurora Miranda (Vem Comigo e Ao Romper da Aurora), Bando da Lua (Cirandinha, Só Conheço Uma, Que é Que Maria Tem e Maria Boa, esta, um dos maiores sucessos do carnaval de 1936), Orlando Silva (Não é Proceder e Já é de Madrugada) e vários outros.

Nilze Carvalho e Sururu na Roda interpretando Maria Boa.

Em 1937, ano em que as Irmãs Pagã lançam, de sua autoria, O Samba Começou e Tristeza, Orlando Silva, os sambas Alegria e Minha Intenção, e em que os grandes sucessos do ano foram Carinhoso (Pixinguinha e João de Barro), interpretado por Orlando Silva, Chão de Estrelas (Orestes Barbosa), com Sílvio Caldas, Lábios que Beijei (J. Cascata e Leonel Azevedo), também com Orlando Silva, Coração Materno (Vicente Celestino), com o próprio compositor, Serra da Boa Esperança (Lamartine Babo), lançado por Francisco Alves, e Rosa, de Pixinguinha, na Voz de Orlando Silva (que, nesse ano, efetivamente, estava com tudo), Carmen Miranda lança o samba-choro Camisa Listrada, que muitos críticos consideram sua obra prima. Composta com muita técnica e estilo, própria para o jeito brejeiro e malicioso constantemente empregado pela cantora, a música estourou no carnaval de 1938, chegando a ganhar o primeiro lugar no concurso oficial, resultado que, entretanto, não foi confirmado. De qualquer forma, pela sua beleza, a música tornou-se clássica:

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"Vestiu uma camisa listrada e saiu por aí

Em vez de tomar chá com torrada ele bebeu parati

Levava um canivete no cinto e um pandeiro na mão

E sorria quando o povo dizia:

Sossega leão, sossega leão,

.

Tirou o anel de doutor para não dar o que falar

E saiu dizendo eu quero mamar

Mamãe eu quero mamar,

Mamãe eu quero mamar

Levava um canivete no cinto

E um pandeiro na mão

E sorria quando o povo dizia:

Sossega leão, sossega leão.

.

Levou meu saco de água quente

Pra fazer chupeta

Rompeu minha cortina de veludo

Pra fazer uma saia

Abriu o guarda-roupa e arrancou

Minha combinação

E até do cabo de vassoura

Ele fez um estandarte

Para seu cordão.

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Agora que a batucada já vai começando

Eu não deixo e não consinto

O meu querido debochar de mim

Porque se ele pega as minhas coisas

Vai dar o que falar

Se fantasia de Antonieta

E vai dançar no Bola Preta

Até o sol raiar."

Olívia Byington interpretndo Camisa Listrada.

Paulinho da Viola e Marisa Monte interpretando Carinhoso.

Elis Regina interpretando Carinhoso.

Ceumar interpretando Coração Materno.

Francisco Petrônio interpretando Lábios Que Beijei.

Maysa Matarazzo interpretando Chão de Estrelas.

Luciana Mello interpretando Rosa.

Gal Costa interpretando Serra da Boa Esperança.

Carmen Miranda ainda gravaria algumas outras músicas de Assis Valente, E o Mundo não se Acabou (1938) – sátira ao pânico causado pelas notícias segundo as quais o cometa Halley iria colidir com a terra destruindo tudo –, Uva de Caminhão e Deixa Comigo (1939) e Recenseamento, de 1940, sua última composição gravada pela "Pequena Notável". Os anos de dificuldade e depressão estavam começando.

Paula Toller interpretando E o Mundo Não se Apagou.

Olívia Byington interpretando Uva de Caminhão.

Mônica Salmaso interpretaqndo Recenseamento.

Nesse último ano, Carmen tinha voltado ao Brasil pela primeira vez, ocasião em que aconteceu o incidente, já narrado, no Cassino da Urca. Assis, juntamente com Recenseamento, mostrou-lhe um samba – Brasil Pandeiro – que no seu entendimento, seria um sucesso certo, feito do jeitinho que a cantora gostava. Qual não foi o espanto de Assis quando a cantora lhe jogou no rosto que a música não prestava e que ele estava ficando “borocoxô”. Carmen nunca mais gravaria qualquer outra música do compositor, que ficou arrasado e deprimido com a recusa de sua musa. Brasil Pandeiro seria gravada, com razoável sucesso, no ano seguinte, pelo conjunto Anjos do Inferno e participou do filme Céu Azul, de J. Rui. Mais tarde, demonstrando que nunca esquecera o episódio, Assis diria que

“Carmen esqueceu-se do tempo em que ensaiava Camisa Listrada dentro do galinheiro de sua casa em Santa Teresa, pois seu casebre era muito pequeno. Abandonou o Brasil pandeiro, mas não a condeno por isso, pois vi que ela não tinha voz suficiente para interpretá-lo”.

Novos Baianos interpretando Brasil Pandeiro.

Beth Carvalho e Ivente Sangalo interpretando Brasil Pandeiro.

A década de 40 seria barra pesada para Assis Valente. Mesmo sendo homossexual, em uma época em que a sexualidade de todos era severamente vigiada, ainda em 1939, o compositor se casara, sem que os amigos soubessem, com a datilógrafa Nadyle da Silva Santos, casamento que durara somente até o início de 1941, quando nasce sua única filha, Nara Nadyle. Mas, as mágoas com Carmen Miranda, o reconhecimento de que sua época de ouro estava no fim, sua deprimente situação financeira e o fracasso de seu casamento foram demais para ele. A vida se lhe tornara insuportável. Angustiado, em 13 de maio de 1941, tentou o suicídio, atirando-se do Corcovado, ficando, no entanto, preso numa árvore, 70 metros abaixo. Após ter sido resgatado pelos bombeiros, soltava frases desconexas e dizia que tinha uma mulher e uma filha que não o tinham. Terminou por fraturar duas costelas além de contusões e escoriações generalizadas.

O gesto de Assis Valente foi um prato cheio para a imprensa. Nos próximos dias, o nome do compositor não saía dos jornais, todos especulando sobre o motivo de ato tão tresloucado. publicaram que provavelmente o compositor estava passando por dificuldades financeiras, além de estar separado da esposa e de se sentir desamparado no meio musical, o que era tudo verdade.

Nessa década, seu único grande sucesso foi Fez bobagem, gravado, por Aracy de Almeida, em 1942, no lado A de um 78 rpm, tendo, no outro lado, outro samba de sua autoria, Amanhã eu Dou. Entretanto, esse sucesso não recuperou sua popularidade. Novos sons e novos ritmos começavam a dominar o país, o samba-canção e o baião iniciavam sua escalada para dominar as paradas de sucesso, logo seguidos pelas rumbas, mambos, boleros e outros ritmos estrangeiros. Assim Valente caia, de forma definitiva, no ostracismo, o que, para uma personalidade neurastênica, era intolerável.

Caetano Veloso interpretando Fez Bobagem.

No final dos anos quarenta, transtornado por um escândalo armado pela vedete Elvira Pagã, que lhe cobrara, publicamente, uma dívida de Cr$ 4.000,00 (quatro mil cruzeiros), Assis tenta novamente o suicídio, dessa feita utilizando uma lâmina de barbear. Mais uma vez foi salvo, mas, sem dinheiro e abandonado pelos amigos, passa a viver de seu laboratório de prótese dentária e dos parcos direitos autorais de suas músicas. Ao mesmo tempo, na nova década que entrava, procura se ajustar aos novos tempos em busca do sucesso perdido.

Quando o conjunto Quatro Ases e um Coringa lança, em 1950, seu samba-canção Boneca de Pano, entrando logo para as paradas, competindo com grandes sucessos como Paraíba (de Luís Gonzaga, com Emilinha Borba), Olhos Verdes (de Vicente Paiva, com Dalva de Oliveira), Ave Maria (de Herivelto Martins, com o Trio de Ouro), Antonico (do veterano compositor Ismael Silva, com Alcides Gerardi), Que Será (de Marino Pinto e Mário Rossi, com Dalva de Oliveira), Tudo Acabado ( de J.Piedade e Osvaldo Martins, com Dalva de Oliveira), Assis se anima, vislumbrando a volta dos bons tempos de sucesso popular. Por pouco tempo. Os grande ídolos de então não se interessam mais em gravar suas músicas, tendo ele que se contentar com gravações de cantores do segundo time, novatos ou decadentes.

Chico César e Xangai interpretando Paraíba.

Gal Costa interpretando Olhos Verdes.

Gal Costa interpretando Antonico.

Ângela Maria e Pery Ribeiro interpretando Ave Maria.

Ângela Maria interpretando Que Será.

Ana Zinger interpretando Tudo Acabado.

Dessa forma, em 1951, um desconhecido Renato Braga grava na Sinter o baião Armei a Rede, dele, em parceria com outro desconhecido, Arsênio Otoni. Em 1953, um samba de sua autoria, Desprezado Sonhador, feito em parceria, não se sabe como, com mais três compositores, Júlio Samorano, Dora Lopes e Osvaldo Gouveia, também foi gravado por outro desconhecido, Ivan de Alencar. Outro samba seu, Projeto 1000, agora em parceria com Salvador Miceli, também foi gravado nesse ano pelo Trio Nagô. Um decadente Nilton Paz gravaria na Columbia, em 1954, a batucada A Maria é a Maior, composta por ele, Assis, e pela dupla Alfredo Goinho e Júlio Zamorano. Em 1956, o promissor novato Luiz Cláudio grava na Columbia sua marcha Sai de Baixo, composta em parceria com Álvaro da Silva. Por outro lado, comentava-se que, necessitado de dinheiro, vendia diversas composições de sua autoria para outros autores, algumas, inclusive, fazendo sucesso.

Nesse último ano, teve um fugaz retorno; Marlene, com a finalidade exclusiva de homenageá-lo, inclusive reclamando pela imprensa sobre seu injusto esquecimento, lança, pela gravadora Sinter, o Long Playing Marlene Apresenta Sucessos de Assis Valente, em que interpreta diversos sucessos do compositor, Recenseamento, Camisa Listrada, Maria Boa, E o Mundo Não se Acabou, Cansado de Sambar, Boas festas, Té Já, Jarro d'Água, Cai, Cai, Balão, e Uva de Caminhão. No entanto, o disco não teve o sucesso esperado, nada significando para o soerguimento da carreira do magnífico compositor.

Para piorar as coisas para Assis Valente, o samba estava efetivamente em baixa nesse ano de 1958, o último de sua vida; Os grandes sucessos do ano se concentraram nas músicas norte-americanas ou estrangeiras em geral, nas versões, nos sambas-canções e nos boleros, como foi o caso do calipso Little Darling (M. Williams), com Lana Bittencourt, que acabou por se transformar no grande sucesso do ano; Nel Blu Dipinto Di Blu (Modugno/Migliacci), com Domenico Modugno; Babalu (de Margarida Lecuona, imenso sucesso popular com Ângela Maria; Please Love me Forever, uma música em inglês, mas cantada por um grupo brasileiro, The Playings; Diana (Paul Anka), na voz do próprio autor; Cachito (Consuelo Velasquez), sucesso de vários cantores, dentre os quais Nat “King” Cole, Doris e Rossie e Emilinha Borba; Patrícia (Perez Prado), sucesso de Emilinha Borba e Perez Prado; O Apito no Samba (Luís Bandeira/Luís Antônio), êxito de Marlene; Balada Triste (Dalton Vogeler/Esdras Silva), samba-canção, estouro em duas gravações, a de Agostinho dos Santos e a de Ângela Maria; Sereno (Aloísio T. de Carvalho), grande êxito de Paulo Molin e de Leny Eversong; Castigo (Dolores Duran), na gravação de Roberto Luna, principalmente; Abismo, bolero de autoria de Anísio Silva, interpretada pelo próprio autor, dentre outras. A surpresa musical do ano foi o grande sucesso alcançado por uma guarânia, Cabecinha no Ombro (Paulo Borges), gravada em 1957 pelo veterano cantor Alcides Gerardi.

The Diamonds interpretando Little Darling.

Domenico Modugno interpretando Nel Blu di Pinto di Blu (Volare).

Tommy Edwards interpretando Please Love Me Forever.

Paul Anka interpretando Diana.

Nat King Cole interpretando Cachito.

Perez Prado interpretando Patricia.

Dorina interpretando O Apito no Samba.

Pedro Aznar interpretando Balada Triste.

Roberta Miranda e Fagner interpretando Cabecinha no Ombro.

Ângela Maria interpretando Babalu.

Ney Matogrosso interpretando Babalu.

Era uma realidade difícil de suportar para Assis valente. Após esses últimos anos de ostracismo, que ele não mais conseguia digerir, e em desespero pela sua delicada situação financeira, a 10 de março de 1958, Assis valente resolve suicidar-se. Sua trajetória, nesse dia, foi, razoavelmente, bem recomposta. De manhã, ele deixa sua casa (Rua Santo Amaro, 112) e segue para o seu consultório de próteses dentárias na Cinelândia, onde teria permanecido até cerca das l3h 30min. Às 15h 00min, mais ou menos, foi à SBACEM, a sociedade arrecadadora de direitos autorais à qual era filiado, para se informar de seus rendimentos. Segundo se comentou depois, seus nervos estavam à flor da pele, tendo o compositor Joubert de Carvalho, presente na ocasião, lhe dado um calmante. Em torno de 16h 30min, ele teria telefonado para seus ajudantes no laboratório, dando-lhes instruções sobre como agir após sua morte. Às 17h 30min, ele telefonaria para Vicente Vitale, seu editor, e também para o compositor e homem de teatro Pascoal Carlos Magno, comunicando-lhes sua intenção de se suicidar. Depois também se soube que Vicente Vitale ainda teria tentado ligar para a Polícia, muito tarde, porém; exatamente às 17h 55 min, em um banco da Praia do Russel, junto de um play-ground onde brincavam crianças, tomou formicida (algumas fontes diziam cianeto) com guaraná.

Assis, como despedida, deixaria um (algumas fontes dizem dois) bilhete pedindo para Ary Barroso pagar alguns aluguéis atrasados, ao mesmo tempo em que solicitava ao público que comprasse sua última música – Lamento –. gravada pelo desconhecido Jairo Aguiar. O outro suposto bilhete, esse para a polícia, dizia que ele se responsabilizava pela própria morte, alegando motivos financeiros. O jornal A Tarde, porém, no dia seguinte à morte do compositor, publicou uma reportagem, dizendo que ele também teria deixado outro bilhete para uma certa Júlia Maria, em que dizia:

“Peço-lhe que não se identifique. Faça de conta que não estou morto e que tudo foi, apenas, uma brincadeira sem graça. Quanto ao dinheiro que lhe emprestei, fica sem efeito, pois rasguei os títulos.”

O futuro, todavia, faria uma justiça tardia a Assis Valente: Pouco mais de uma década após sua morte, suas músicas foram redescobertas pela nata da música popular brasileira. Em 1969, Nara Leão (1942 - 1989) regravaria Fez Bobagem, e Maria Betânia, o samba Camisa Listrada. Em 1972, o primeiro LP dos Novos Baianos, considerado pela crítica especializada como um dos cinco melhores discos brasileiros de todos os tempos, trazia como faixa de abertura exatamente Brasil Pandeiro, que se transformaria no maior sucesso do disco. Em 1973, três dos maiores ícones da música brasileira, Chico Buarque, Maria Betânia e Nara Leão interpretaram Minha Embaixada Chegou no filme de Cacá Diegues Quando o Carnaval Chegar.

Em 1977, a TV Globo dedicou-lhe um especial na série “Grandes Compositores”, escrito por um dos maiores especialistas em música popular brasileira, Ricardo Cravo Albin, e dirigido pelo grande Augusto César Vanucci. Na década de 90 o musical O Samba Valente de Assis, sobre a trajetória do trágico compositor, foi encenado com sucesso no Rio de Janeiro. Brasil Pandeiro voltaria a ser conhecida em todo o país, em 1994, quando de uma campanha publicitária relacionada à Copa do Mundo desse ano.

E para coroar esse “revival”, Ney Matogrosso, em 2001, incluiria em seu aclamado show Batuque, transformado em CD e DVD de grande repercussão, dois de seus grandes sucessos, Maria Boa e E o Mundo Não se Acabou, o que demonstra que Assis Valente resiste e, certamente, ficará para a posteridade como um dos maiores compositores brasileiros de todos os tempos.

FISSURAS NO TBC

2007-12-04T08:42:00.001-08:00

Se, nesse ano de 1956, o TBC conseguisse repetir o sucesso do ano anterior, seria outra consagração para a companhia paulista. Com efeito, em 1955, o Teatro Brasileiro de Comédia ganhou, mais uma vez, os principais prêmios Saci do teatro: Melhor Espetáculo (Volpone, de Ben Johnson, direção de Ziembinski, contando no elenco com Ziembinski, Walmor Chagas, Cleyde Yáconis, Elisabeth Henreid e Waldemar Wey), Melhor Ator (Walmor Chagas, pelo conju nto de interpretações nos espetáculos Santa Marta Fabril S.A., de Abílio Pereira de Almeida, Volpone (Ben Johnson) e Maria Stuart, de Schiller (peça traduzida para o português pelo poeta Manuel Bandeira) e Melhor Atriz, Cleyde Yáconis, também pelo conjunto de interpretações nos mesmos espetáculos, Volpone, Santa Marta Fabril S.A. e Maria Stuart.

Trecho da montagem de Volpone (em inglês).

Acontece que o TBC passaria, nesse ano de 1956, por várias provações, a principal delas advinda da saída de seus quadros, no ano anterior, seguindo o exemplo de Sérgio Cardoso e Nydia Lícia, de três de suas principais estrelas: o encenador Adolfo Celi, Tônia Carrero e Paulo Autran, decididos a fundar uma nova companhia, a Companhia Tônia-Celi-Autran, fato que causou grande impacto e desilusão em Franco Zampari, que considerava o diretor italiano a cabeça mais brilhante para continuar seu trabalho à frente do TBC. Em depoimento à época, Celi comentou a respeito de sua defecção:

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A razão fundamental que nos fez deixar o TBC foi pensar que, quanto maior número de elencos houver, tanto melhor será para o teatro brasileiro. Serve para o nosso caso, o conhecido ex emplo da ameba que, ao dilatar-se muito, acaba se dividindo em duas. O TBC existe independentemente das pessoas que o compõem. Daí a nossa saída não trazer prejuízos.

Pretendemos, também, lançar elementos novos, que dificilmente poderiam entrar no TBC a não ser para papéis secundários. É que o teatro da rua Major Diogo faz, naturalmente, pelas necessidades de sua organização, contratos fixos e longos.”

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Para Tônia Carrero, o problema era a presença estelar de Cacilda Becker; desde que o romance entre ela e Adolfo Celi foi alardeado, o clima na companhia era tenso; além do mais, Tônia se sentia sem espaço no TBC, onde se ressentia de interpretar somente comédias, peças leves, o que a impedia de voar mais alto e mostrar seu real talento. Em entrevista à Simon Khoury, para a série Bastidores, Tônia deixa mais clara a situação àquela época:

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“(...) Quem canalizava todas as atenções era mesmo Cacilda Becker. E que Repertório! Tennessee Williams, Pirandelo, Sófocles, Jules Renard; era fantástico. Eu só fazia papéis em peças de autores secundários. No TBC, era vista como mais uma estrela de cinema. As boas, as atrizes de categoria, eram Cacilda, sua irmã [Cleyde Yáconis] e Nathália Timberg. Eu era a vedete, aquela moça linda que adorava mostrar as pernas, aquela loura simpática que se jogava no palco de qualquer maneira. Por isso, saí do TBC, em 1955, e arrastei comigo Paulo Autran, Adolfo Celi e Margarida Rey.

(...)

Vendo que eu jamais poderia fazer uma carreira digna no TBC, fui embora. O pessoal de lá insistia em me ver como uma artista de cinema, a linda vedete que sabe mostrar suas lindas pernas, e as atrizes conceituadas eram Cacilda, sua irmã Cleyde e mais tarde Nathália e Tereza Raquel. Só me restou pegar o meu boné e tentar minha companhia. Eu ganhava o mesmo que Cacilda, o que a deixava fula de raiva. O Celi disse que se eu fosse, ele iria comigo, e imediatamente o Paulo Autran endossou nossa atitude, assim como Margarida Rey.”

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Com a saída de quatro de seus principais astros (Margarida Rey também se integrou ao grupo de Tônia), o TBC agora, só em São Paulo, contava com três companhias rivais de peso: A Companhia Sérgio Cardoso/Nydia Lícia, que agora ocupava uma boa casa, o Teatro Bela Vista; o Teatro de Arena, com José Renato (advindo da EAD) à frente; e o Teatro Popular de Arte – da atriz Maria Della Costa e seu marido, Sandro Polônio, que, em 1954, inaugurou seu próprio teatro, o Teatro Maria Della Costa, alcançando, já em 1955, enorme êxito de público e crítica com a encenação de A Moratória, de Jorge Andrade (prêmios Saci para Gianni Ratto como Melhor Diretor e para Jorge Andrade como Melhor Autor Nacional, saudado pela crítica especializada como o autor brasileiro mais importante a surgir no Brasil após Nelson Rodrigues. Foi nessa peça que despontou para o estrelato uma atriz que ainda daria muito que falar, Fernanda Montenegro.

A Moratória -1ºAto- (1-2) Colégio Santa Marcelina SP - 2ºC.

A Moratória -1ºAto- (2-2) Colégio Santa Marcelina SP - 2ºC.

O pessoal do TBC, entretanto, não queria e nem podia lamentar suas perdas; sob a direção de um jovem diretor belga, Maurice Vaneau, que fizera um espetáculo de impacto no ano anterior em São Paulo, quando, integrante do Teatro Nacional da Bélgica em excursão ao Brasil, dirigira Barrabás, de Ghelderode, e recebera um convite de Zampari para permanecer no Brasil, o TBC encena a peça de John Patrick, grande sucesso nos palcos e no cinema norte-americanos, Casa de Chá do Luar de Agosto (20.02.1956), com um elenco encabeçado por um jovem ator que, futuramente, seria um dos mais laureados d o teatro brasileiro (um dos maiores vencedores do prêmio Moliére do Brasil), Ítalo Rossi, secundado por Fregolente, Aníbal Santos, Célia Biar, Fábio Sabag, um trio que iluminaria por décadas as artes cênicas brasileiras - Mauro Mendonça, Milton Moraes e Nathália Timberg e grande elenco -, contando a história de um oficial do exército norte-americano, comandante das tropas de ocupação no Japão, que chega a uma pequena aldeia de Okinawa, determinado a impor a cultura ocidental para os habitantes locais. O interventor militar, na intenção de levar esta tarefa adiante, tem a intenção de organizar um clube social feminino e construir uma escola em forma de pentágono. No entanto acontece uma aculturação às avessas, pois Sakini (Ítalo Rossi), o guia e intérprete do capitão, espertamente conduz a situação do seu modo, fazendo o oficial assimilar os hábitos orientais. Apesar de ser uma comédia de nítidos contornos justificativos da intervenção americana no Japão, a peça, aqui como em outros palcos mundo à fora, fez sucesso exatamente pelo grau de simpatia que consegue transmitir aos espectadores, sendo elogiada até por Miroel Silveira, que não caía exatamente de amores pelo TBC.

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1956 foi o ano de confirmação da condição de estrela de Fernanda Montenegro no TBC; com ela no elenco, foram encenadas Eurídice (um fracasso retumbante), de Jean Anouilh, dirigida por Gianni Ratto (também vindo da Itália arrasada do pós-guerra a convite de Maria Della Costa), tradução do poeta modernista Guilherme de Almeida; Divórcio para Três, de Victorien Sardou (da qual também participou Cacilda), com direção de Ziembinski e Nossa Vida Com Papai, de Howard Lindsay, tamb ém dirigida por Gianni Ratto.

A montagem sensação do ano, porém, foi protagonizada, mais uma vez, por Cacilda Becker; com direção de Maurice Vaneau e contando no elenco com Walmor Chagas, Célia Biar, Dina Lisboa, Ziembinski, Leonardo Vilar e Sadi Cabral, a ousada peça de Tennessee Williams Gata em Teto de Zinco Quente, estreou em outubro de 1956, causando um escândalo digno das peças de Nelson Rodrigues: sua temática (homossexualismo) e um palavrão – filhos da puta –, o primeiro do teatro brasileiro. Com cenário de Mário Francini, ousadamente usando naylon esticado, a peça conta a história de Harvey Pollitt, o Paizão (Ziembinski), um patriarca e rico proprietário de terras; ele ignora que tem um câncer inoperável, pois seu médico lhe disse que tinha se recuperado. Cooper (Leonardo Vilar), um dos filhos, e sua esposa (Célia Biar) tiveram algumas crianças e cobiçam poder herdar os milhões do velho milionário. Por outro lado Brick (Walmor Chagas), homossexual reprimido, seu filho favorito, alcoólatra e ex-astro de futebol americano, atormentado pela morte de um amigo por quem nutria uma irresistível paixão, vive um casamento infeliz com Maggie (Cacilda Becker), sua esposa, absolutamente frustrada, pois ama o marido apesar de ser desprezada por ele.
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Trecho do filme Gata em Teto de Zinco Quente (em inglês).

Trailer de Gata em Teto de Zinco Quente (em inglês).

Cacilda, à época muito nervosa, com problemas particulares, fruto de sua disputa com o ex-marido, Tito Fleury, sobre a guarda do filho, ainda tinha outro problema para protagonizar Maggie, a Gata: seu físico. A personagem exigia uma atriz voluptuosa, cheia de carnes; para se ter a idéia, a personagem foi vivida por Elizabet h Taylor no cinema, no auge de seu vigor físico. Mas, nada era impossível para ela; mesmo muito magra, quase o tempo inteiro vestindo uma reveladora combinação decotada, a atriz conseguiu convencer brilhantemente o público como a gata no cio do título, a peça se tornando um dos maiores sucessos do ano em São Paulo.

A crítica também não deixou de aplaudir a peça: Décio de Almeida Prado, no Estadão, disse que

“o espetáculo se impõe e subjuga o público, da primeira à última linha. O talento de Tennessee Williams encontrou em Vaneau um intérprete à altura. (...) Cacilda Becker, a princípio, surpreende pela elocução nervosa e artificial, até percebermos que é exatamente o tom que convém ao papel de Maggie, a gata”.

Também Clóvis Garcia, em O Cruzeiro, elogia o desempenho da atriz, considerando que ela estava voltando “em grande forma, dando-nos uma Maggie tensa, nervosa, com características neuróticas bem marcadas”. Miroel Silveira, no Diário de Notícias, considerou a peça como “uma das mais perfeitamente encenadas da história do TBC”.

Como para provar que, apesar das pesadas defecções, o TBC continuava firme e forte como grupo teatral de qualidade e prestígio, a companhia foi novamente agraciada com dois dos mais importantes prêmios Saci: um para a peça Casa de Chá do Luar de Agosto (Melhor Espetáculo), outro para Maurice Vaneau (Diretor do Ano).

***

No final de 1955, Maria Della Costa foi surpreendida pela decisão de Gianni Rato (1916 - 2005)) de deixar o TMDC em direção ao TBC. Em entrevista ao Estadão (08.10.55), Ratto explicou o motivo de seu gesto:

“Vim da Europa com um certo sonho. Ao receber em Milão convite de Maria Della Costa e Sandro Polloni para dirigir a nova companhia que ia inaugurar o teatro da rua Paim, imaginei que poderia realizar um bom teatr o de equipe, funcionando em determinadas bases. Por diversas razões, entretanto, entre as quais a financeira e a de sistema de trabalho, verifiquei ser essa missão irrealizável.

Quando senti, na Itália, que as condições de trabalho do Piccolo Teatro e do Scala não satisfaziam ao que eu desejava artisticamente, preferi deixá-los, embora abandonasse uma excelente situação financeira. No caso de TMDC, não quero que as minhas realizações, exigindo um mínimo padrão artístico, prejudiquem a situação econômica da companhia. Dou-me conta do extraordinário esforço do empresário Sandro Polloni que, infelizmente, não é correspondido pelo público e, como não me é possível mudar a linha do repertório, prefiro deixar o elenco (...) As peças que encenamos já não pertencem a um repertório válido, num critério absoluto. Porém, em função das possibilidades da companhia, já constituem um excesso, quer econômico, quer profissionalmente. Para sobrevivência do elenco, é necessário tentar um repertório mais comercial e, nesse ponto, considero cumprida a minha missão.”

Para Maria Della Costa, a saída de Ratto se dera em virtude, na verdade, de seu sucesso: “Ele quis extrapolar, quis arranjar e fazer superproduções que não tínhamos condições de lhe proporcionar”, disse ela a Simon Khoury. E para provar que o repertório do TMDC era inegavelmente de qualidade, o grupo montou três espetáculos de peso nesse ano de 1956, A Casa de Bernarda Alba, de García Lorca, A Rosa Tatuada, de Tennessee Williams, e Moral em Concordata, de Abílio Pereira de Almeida, esta última já no apagar das luzes do ano corrente.

A escolha de A Casa de Bernarda Alba (elenco contando com Beyla Genauer, Odete Lara, Ilema de Castro, Maria Della Costa e outras – uma parábola sobre a Espanha franquista em que uma mulher, a Bernarda do título (esplendidamente vivida por Jurema Magalhães), após a morte do marido, assume, de forma autoritária e sem piedade, o comando de sua casa e da vida de todos os filhos, enquanto cria um tipo de liderança em que os valores individuais não são respeitados e o comportamento de todos são regidos por rígidas leis morais, tudo caminhando para um fim trágico, que a todos traga como um turbilhão, inclusive a própria matriarca – segundo Maria, teve uma causa prática; perdendo uma porção de gente com talento nos últimos tempos (Fernanda Montenegro, Sérgio Brito, Ítalo Rossi), o TMDC estava momentaneamente sem atores de p eso, capazes de sustentar uma temporada inteira. Por isso, Sandro Polloni resolveu montar uma peça só com mulheres. O resultado foi um sucesso de crítica e público, que rendeu pontos para Flaminio Bollini, o encenador e cineasta (Na Senda do Crime) que, há pouco, abandonara o TBC para ingressar no grupo de Della Costa, como que para compensar a defecção de Ratto.

Montagem de A casa de Bernarda Alba pelo grupo atordoados do Teatro Escola Macunaíma.

Rosa Tatuada, do maldito Tennessee Williams, outra peça escolhida para a temporada de 56, estreara na Broadway a três de Setembro de 1951. Quatro anos mais tarde, dirigida por Daniel Mann, seria levada ao cinema com Anna Magnani, cuja interpretação seminal lhe valeu o Oscar de Melhor Atriz do ano, o primeiro a ser atribuído a uma atriz de origem latina. Segundo Maria Della Costa, encontrar o tom certo para a papel título era um desafio, especialmente para ela, pois a personagem de Williams era uma siciliana forte, bunduda e, obviamente, grosseira. A atriz teve que providenciar uma mudança radical em seu visual, mandando fazer enchimentos de borracha no corpo que pesava cerca de 30 quilos. E para encontrar o tom certo de deboche que a atuação exigia, ela se valeu dos ensinamentos de Dercy Gonçalves, com quem teve aulas de como se comportar em cena. Com Jardel Filho na pele de um sensual caminhoneiro (vivido no cinema por Burt Lancaster), a peça foi outro sucesso da temporada e outro tento para Maria Della Costa

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Premiere do filme A Rosa Tatuada.

Cena do filme A Rosa Tatuada (em inglês).

Cena do filme A Rosa Tatuada (em inglês).

Encenada no teatro Carlos Gomes, dirigida por Flaminio Bollini, e tendo no elenco atores de peso como Odete Lara (na montagem carioca, Glauce Rocha substituiu Odete), a própria Maria Della Costa, Jardel Filho, Armando Bogus, Luiz Tito, Felipe Carone, Benjamim Cattan e o futuramente famoso novelista Manoel Carlos, Moral em Concordata, outra montagem dessa temporada, um texto polêmico sobre violência, machismo e prostituição, conta a história de duas irmãs (protagonizadas por Odete Lara e M aria Della Costa), a primeira casada com Raul (Jardel Filho), por quem é desprezada e maltratada, e a segunda, solteira e mal falada, mas que leva uma vida glamourosa e razoavelmente luxuosa, “uma vigarista que troca a noite pelo dia”. Na realidade, uma prostituta de luxo, cuja vida servirá de exemplo para a irmã, quando seu casamento entrar em parafuso.

O mais interessante da peça anterior - A Rosa Tatuada - é que ela, inicialmente, fora oferecida por Abílio para o TBC que, mesmo sendo de Tennessee Williams e ter sido encenada na Broadway com Burt Lancaster e Anna Magnani, não a considerou digna de ser montada. O teatrólogo, então, a ofereceu para Maria Della Costa que, imediatamente, viu seu potencial e a encenou. O resultado foi um estupendo sucesso de público, que, segundo Della Costa, rendeu tanto que permitiu que ela e Sandro Polloni fossem para a Europa em viagem de férias.

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Tão logo Tônia, Celi e Paulo Autran saem do TBC e montam sua própria companhia – a Companhia Tônia-Celi-Autran (CTCA) –, o repertório para a temporada de 1956 foi escolhido; o grupo se fixou em quatro peças, duas comédias – A Viúva Astuciosa (Goldoni) e Negócios de Estado (Louis Verneuil) – e dois dramas – Entre Quatro Paredes (Jean Paul Sartre) e Otelo (Shakespeare).

A Viúva Astuciosa, uma peça satírica neoclássica de Goldoni, foi somente um veículo para Tônia Carrero, que sempre brilhava em comédias desse tipo; Negócios de Estado, uma peça ambientada em Washington, nos meandros da política americana, foi escrita por Verneuil quando este morou nos Estados Unidos, uma crítica ao modo de vida norte-americano. Uma boa montagem do grupo e também um sucesso médio. Tônia, mais tarde, chegou a dizer que a peça era uma bobagem, muito fácil de fazer. Segundo ela, a peça fora feita “com os pés nas costas, como faria qualquer uma outra do gênero.”

Escrita em 1944, já nos estertores do regime nazista, Entre Quatro Paredes (montada anteriormente pelo TBC em 1950) é uma peça sem concessões, que tenta responder à afirmação segundo a qual “o inferno são os outros”. São três personagens em cena, desconhecidos entre si, que se encontram, após a morte, no inferno, um inferno diferente, sem fornalhas, demônios ou sessões de tortura; ou seja, um inferno civilizado; o ambiente é decorado com estilo sóbrio e bastante elegante. Nesse ambiente, as luzes jamais se apagam porque não existem dias nem noites. Como estão condenados a conviver por toda a eternidade, logo percebem sua função no local: cada um será o carrasco dos demais.

Tônia, que ganhou o prêmio Saci de Melhor Atriz do ano por sua performance nessa peça, percebeu que a crítica, após esse espetáculo, passou a considerá-la com mais respeito, não obstante o preconceito ainda presente. Em suas próprias palavras:

“Depois dessa peça, a crítica começou a se mancar (...) o Henrique Oscar e a Bárbara Heliodora mudaram de atitude comigo e tiveram que entregar a rapadura. Mas, mesmo perdendo a desconfiança de que eu não podia fazer dramas, eles falavam mal de mim de outras maneiras e ainda ressaltavam minha beleza que meus dotes de atriz.”

Exercício sobre Entre Quatro Paredes - Parte 1.

Exercício sobre Entre Quatro Paredes - parte 2.

Exercício sobre Entre Quatro paredes - Parte 3.

Otelo (de fato, a primeira montagem do grupo) se constituiu em um “tour de force” para Paulo Autran. Foi seu primeiro Shakespeare, a despeito de não ser sua primeira incursão nas tragédias, porquanto já atuara na peça Antígona (Sófocles/Anouilh), que, inclusive, lhe proporcionara seu primeiro prêmio Saci de Melhor Ator do ano em 1952.

Aos 34 anos em 1956, Paulo Autran, com apenas sete anos de carreira, já era um dos atores mais admirados e respeitados do país. Nascido no Rio de Janeiro, ainda garoto, sua família se muda para São Paulo, formando-se, no ano de 1945, em Direito na Faculdade de Direito do Largo de São Francisco, exercendo a profissão até 1949.

Suas primeiras incursões teatrais se dão no Centro Cultural Brasil-Rússia (levado por Tatiana Belinky), onde tem suas primeiras aulas de interpretação. Em 1947, começa seu efetivo relacionamento com o teatro, participando, como amador, de um grupo formado por ele e pela futura diva do TBC, Madalena Nicol. Sob a direção da atriz, conseguem montar a peça Esquina Perigosa, de JB Priestley, no Teatro Municipal de São Paulo. No ano seguinte, em montagem dirigida pelo encenador inglês H. Eagling, ocupa com seu grupo o teatro do TBC com a peça A Noite de 16 de Janeiro, da escritora anticomunista Ayan Rand, ficando pouco tempo em cartaz.

Integrando o Grupo Experimental de Teatro, o GTE (grupo criado por Alfredo Mesquita), a convite de Abílio Pereira de Almeida, Paulo vai em excursão para o Rio de Janeiro, em 1949, onde participa da montagem de duas peças do teatrólogo, A Mulher do Próximo e Pif-Paf, além de também participar da encenação de À Margem da Vida, de Tennessee Williams, peça em que faz o papel principal, Tom. Nesse mesmo ano, a convite de Tônia Carrero, que montara sua própria companhia, integra o elenco de Um Deus Dormiu lá em Casa, de Guilherme de Figueiredo, grande sucesso de público e de crítica. Era o início da carreira profissional do ator.

Monólogo da personagem Amanda Wingfield da peça A Margem da Vida,interpretado por Thalita Vaz.

Leitura dramatizada da peça Um Deus Dormiu Lá em Casa pelo grupo Giz en Scène.

Parte 1.

Parte 2.

Parte 3.

Parte 4.

Parte 5.

Parte 6.

Parte 7 (final).

Em 1950, ainda pela companhia de Tônia Carrero, Paulo participa das montagens de Amanhã Não Vai Chover (de Henrique Pongetti, direção de Ziembinski), Helena Fechou a Porta (de Accioly Netto, também dirigida por Ziembinski) e Dom Juan, de Guilherme de Figueiredo, dirigida por Armando Costa. Aí acontece uma reviravolta na carreira de todos os integrantes do grupo: no final do ano, apresentando-se no Teatro Cultura Artística, em São Paulo, a companhia é surpreendida com a presença de Franco Zampari em uma de suas apresentações, que resultou em um convite para que a troupe se integrasse ao TBC, sonho de todos os artistas brasileiros. Tônia, ao contrário, vai para a Vera Cruz, onde receberia honras de artista de primeira linha.

Sua estréia no TBC se deu em 1951 com a peça Seis Personagens à Procura de um Autor, de Luigi Pirandello, integrando um elenco que também contava com Cacilda Becker e Sérgio Cardoso. Dirigida por Adolfo Celi, a peça fez um tremendo sucesso, passando, a partir dessa data, a fazer parte do repertório de Paulo Autran, tendo ele participado de mais duas montagens desse espetáculo. Em seguida, Autran é escalado para Arsênico e Alfazema (Joseph Kesselring), com direção de Celi; Ralé (Maxin Gorki), dirigida por Flaminio Bollini; e A Dama das Camélias (Alexandre Dumas Filho), com (segundo a crítica) "primorosa direção" de Luciano Salce, que faria sucesso, mais tarde, na Itália, como diretor de cinema (Pato com Laranja, vermelho).

Ralé, de Maximo Gorki.

Glória Meneses interpretando A Dama das Camélias.

1952 foi o ano de estouro de Paulo Autran; participa das montagens de Diálogo de Surdos (Clô Prado) sob a direção de Bollini; Para Onde a Terra Cresce (Edgard da Rocha Miranda), dirigida por Adolfo Celi; e Antígona, um espetáculo que fazia a junção de dois textos homônimos, um de Sófocles, a tragédia grega, e o drama francês de Jean Anouilh; Essa última montagem causou um impacto profundo em Paulo Autran; além de lhe permitir entrar com sucesso no universo das tragédias gregas, um pântano para muitos, a peça lhe proporcionou seu primeiro Saci como Melhor Ator de 1952. Foi também nesse ano que Paulo participa, em papéis coadjuvantes que nada acrescentaram à sua carreira, de três filmes na Cia Cinematográfica Vera Cruz: Veneno, Appassionata e Uma Pulga na Balança.

Veneno, um drama psicológico-policial, conta a história de Hugo, funcionário de uma indústria de vidros, que ama apaixonadamente sua esposa Gina. Ela, ao contrário, demonstra completa indiferença por ele, que vai ficando obcecado pela idéia de que sua esposa o odeia. Tem horríveis pesadelos durante os quais se vê matando Gina. Cada sonho termina sempre com um implacável delegado de polícia que o interroga. Hugo passa a confundir sonho e realidade depois que é procurado pelo mesmo delegado de polícia do sonho, que vem indagar se sua casa não foi assaltada. Envolve-se progressivamente neste vórtice que o leva a envenenar Gina, cometendo um crime quase perfeito. O filme contou com a direção e argumento de Gianni Pons; fotografia de Edgar Brasil (premiada com um Saci); elenco integrado pela voluptuosa atriz Leonora Amar, Anselmo Duarte, Ziembinski, Paulo Autran, Jackson de Souza e outros.

Com um elenco quase todo vindo do TBC, Waldemar Wey (Dorival), Gilda Nery (Dora), Luiz Calderaro (Carlos), Ermínio Spalla, Paulo Autran (Antenor), Ruy Afonso, John Herbert (Alberto), Mário Sérgio (Juvenal), Lola Brah (Bibi), Maurício Barroso, Armando Couto, Jaime Barcellos e uma lindíssima Eva Wilma (prima de Alberto), em início de carreira, Com a Pulga na Balança, com direção de Luciano Salce, é baseado em um argumento e roteiro de Fábio Carpi sobre um ladrão que se deixa prender voluntariamente e que, uma vez instalado na prisão, procura nos jornais, diariamente, os nomes mais ilustres falecidos e envia às famílias dos mortos uma carta extremamente comprometedora onde fica explícito que o falecido era seu parceiro num grande golpe. Essa maneira engenhosa de chantagem deixa consternada a família do morto que se apressa em pagar-lhe para manter o seu silêncio. A estória se desenrola em um ambiente no qual a hipocrisia dos herdeiros contrasta com a vida alegre e feliz de Dorival em sua cela, onde recebe suas vítimas em alto estilo. Um tema mais do que atual, nestes dias de chantagens por telefone por parte de presos do PCC e do Comando Vermelho.

Trecho do filme Uma Pulga na Balança.

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Já Appassionata, o terceiro filme do qual Paulo Autran participa nesse ano de 56, conta a história de uma grande pianista, Silvia Nogalis, que faz todos os sacrifícios pela sua arte, até que se vê acusada, pela governanta, da morte de seu marido, o famoso Maestro Hauser. O corpo é encontrado no mesmo dia em que ela obtém um grande triunfo artístico interpretando a ‘Appassionata’ de Beethoven. Silvia, uma vez comprovada sua inocência, retira-se para um lugar junto ao mar, onde conhece Pedro, o diretor de um reformatório de jovens delinqüentes, que por ela se apaixona, reconhecendo sua verdadeira identidade. Pedro tenta dissuadi-la de fazer uma turnê, mas ela prefere a carreira ao amor e volta a dar concertos. Em Estocolmo conhece um pintor brasileiro que faz o seu retrato e se apaixona por ela. Voltam ao Brasil e ela é assaltada por obsessões ligadas à memória do falecido marido. A governanta faz esforços, juntamente com o antigo motorista do casal, para reavivar o processo contra Silvia. O pintor, assediado pela dúvida, vai perdendo a confiança em sua esposa. Tudo se precipita numa noite em que Luís pensa que surpreenderá Sílvia em flagrante adultério, mas recebem uma carta na qual Hauser declara que pretendia se suicidar. É muito tarde. Luís atira, mata Sílvia, a película terminando com um crescendo do motivo musical da Appassionata de Beethoven.

O filme foi dirigido por Fernando de Barros e contou no elenco com (além de Autran, em papel secundário) Tônia Carreiro, Anselmo Duarte, Alberto Ruschel, Ziembinski, Abílio Pereira de Almeida, Salvador Daki, Edith Helou, Lima Neto, Jaime Barcelos, Vera Sampaio, Francisco de Sá, Xandó Batista e outros.

Sonata Nº 23 op 57 Appassionata executada por Richter.

De 1953 a 1955 foram dezenas e dezenas de montagens no TBC: Na Terra Como no Céu, de Fritz Hochwalder, dirigida por Luciano Salce; Treze à Mesa, de Marc-Gilbert Sauvajon com direção de Ruggero Jaccobbi; Assim é Se lhe Parece, de Luigi Pirandello, direção de Adolfo Celi; Mortos Sem Sepultura, de Jean Paul Sartre, dirigida por Flaminio Bollini; Uma Mulher do Outro Mundo, de Noel Coward, dirigida por Adolfo Celi; Leonor de Mendonça, de Gonçalves Dias, direção de Adolfo Celi; Santa Marta Fabril S.A., de Abílio Pereira de Almeida, direção de Adolfo Celi; Profundo Mar Azul, de Terence Rattigan, com direção de Adolfo Celi e diversas outras. Em 1955, acontece sua saída do TBC, juntamente com Tônia Carrero e Adolfo Celi, para formar a CTCA. A montagem de Otelo, com todas as dificuldades que um espetáculo de tal monta traria, seria a prova de fogo junto ao grande público e à critica para a iniciante companhia teatral.

Escrita por William Shakespeare (1564 - 1916) em 1604, Otelo, uma peça sobre inveja e traição, conta a historia de Otelo, general mouro que serve ao reino de Veneza. A peça inicia com Iago, alferes de Otelo, tramando com outro personagem, Rodrigo, uma forma de contar a um rico senador de Veneza, Brabâncio, que sua filha, Desdêmona, tinha se casado com Otelo. Iago queria se vingar do general pelo fato desse ter concedido uma promoção a tenente a um jovem, Cássio, que servira de intermediário entre ele, Otelo, e a amada, Desdêmona. Iago tinha a convicção de que amizade não era motivo de promoção. Assim que sabe da fuga da filha para se casar com o mouro, Brabâncio sai à caça de Otelo intentando matá-lo. Quando se encontram, um chamado do Doge de Veneza convocando-os à sua presença evita o confronto entre eles.

Orson Welles na abertura do filme Otelo.

Quando da reunião, Brabâncio acusa Otelo de ter induzido sua filha a casar-se com ele, à custa de bruxarias. O acusado refuta a acusação, relata sua história de amor e, após a confirmação de tudo por Desdêmona, é inocentado e parte para Chipre para lutar contra os turcos que assediavam a ilha. Desdêmona também vai para lá, só que em outro navio, chegando primeiro devido a fortes ventos e tempestades que ocorreram durante a viagem, que, inclusive, destroçaram a frota inimiga.

Em Chipre, Iago continua com seus planos de vingança. Despertar o ciúme de Otelo com relação a Cássio seria seu objetivo. Pretextando lealdade ao general, Iago induz Cássio – responsável pela manutenção da ordem na cidade – a se embriagar durante uma festa oferecida pelos habitantes da ilha ao mouro. A bebedeira termina em briga entre Cássio e Rodrigo, amigo de Iago, fazendo com que Otelo destitua seu homem de confiança do cargo.

Iago, nessa mesma noite, inicia seu plano de jogar Cássio contra Otelo. Aconselha o rapaz a pedir que Desdêmona interceda por ele junto ao marido, o que ele faz. Paralelamente, inicia um jogo de insinuações sobre o relacionamento de Desdêmona e Cássio, despertando o ciúme do mouro. A oportunidade de avançar no plano surge quando a moça perde um lenço de linho, que pertencera à mãe do general, presente de Otelo, que acreditava que o lenço possuía propriedades mágicas, sendo o guardião da felicidade dos dois. Iago acha o lenço e o esconde dentro do quarto de Cássio, após o qual se chega ao general com a acusação de que o lenço fora presenteado a Cássio por Desdêmona.

Enciumado, Otelo pergunta à sua mulher sobre o lenço. Ela não soube responder o que teria acontecido com ele. Pouco tempo depois, Iago faz com que Otelo escute uma conversa sua com Cássio; embora falassem sobre uma amante desse último, Otelo entende que a mulher em referência é Desdêmona. Fica enlouquecido de ciúmes, passando a crer que a mulher o traía. Então as coisas se precipitam.

Jurando lealdade e fidelidade a Otelo, Iago se oferece para matar Cássio, com a intenção, na verdade, de matar também Rodrigo, que sabia de toda a tramóia. Só que as coisas dão erradas, e somente Rodrigo morre, Cássio ficando somente ferido. Ao mesmo tempo, sem acreditar na esposa, Otelo a mata dentro do quarto.

Ao saber que Desdêmona fora assassinada pelo marido, Emília, mulher de Iago, revela a Otelo o plano engendrado pelo marido para acabar com seu casamento, jurando que Desdêmona era inocente e lhe era fiel. Iago mata Emília e foge, logo sendo capturado. Desesperado pela injustiça, Otelo se apunhala, caindo morto sobre o corpo da mulher amada. Cássio passa a ocupar o lugar de Otelo.

Gupo Teatro do Inconsciente de Brasilia interpretando Otelo.

A peça, que contava no elenco com Tônia Carrero (Desdêmona), Felipe Wagner (Iago), Margarida Rey e Benedito Corsi, estreou no Teatro Dulcina em março de 1956, constituindo-se em um dos maiores sucessos de Paulo Autran, permitindo-lhe, além do mais, ganhar seu segundo prêmio Saci como o Melhor Ator do ano. A partir daí ele se tornou uma lenda no teatro brasileiro, o verdadeiro “Senhor dos Palcos".